tag:blogger.com,1999:blog-69487199492238556522024-03-05T00:47:32.427-08:00opus 115 música de camaraEste blog está dedicado a publicar comentarios musicales de intérpretes marplatensesEduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.comBlogger44125tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-48269059123236351202023-09-10T18:14:00.004-07:002023-09-10T18:14:36.141-07:00Concierto de Leonardo Chacón Oribe<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIr7XlUiRLtvozN27vL8491kkYojpXqV3UnOI18JonI5cVdf_ou7Flajo48Du5vIWea7fltV4L-a2pljlg3swpEDYhEPsHmzV8fIyccmYLJROHXAmWAx617mWE2KTnzVz4Lh6OayUZLJabX_K5ZSfzIAEnGGU9vea_4ugU1RqGRu2iAiubOiGEKewr4iDJ/s2048/Leonardo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1272" data-original-width="2048" height="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIr7XlUiRLtvozN27vL8491kkYojpXqV3UnOI18JonI5cVdf_ou7Flajo48Du5vIWea7fltV4L-a2pljlg3swpEDYhEPsHmzV8fIyccmYLJROHXAmWAx617mWE2KTnzVz4Lh6OayUZLJabX_K5ZSfzIAEnGGU9vea_4ugU1RqGRu2iAiubOiGEKewr4iDJ/s320/Leonardo.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: Arial, "sans-serif"; text-indent: 35.4pt;">.Leonardo Chacón Oribe, piano</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">.Espacio Colectivo de Experimentación
Musical (ECEM), Mar del Plata, 9 de septiembre, hora 18.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
pianista marplatense –radicado en Buenos Aires- Leonardo Chacón Oribe, brindó
su primer recital profesional en su ciudad natal. Antes de ello actuó en tal
carácter en otras sedes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El
programa se inició con la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sonata nro. 1,
en fa menor, opus 2</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Ludwig van
Beethoven (1770-1827). </b>El opus 2 está integrado por las sonatas números 1,
2 y 3. La primera<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">, c</b>ompuesta entre
1794 y 1795, y dedicada a Franz Joseph Haydn<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>muestra,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>de manera
evidente, que gran parte de los elementos del lenguaje pianístico del gran
compositor ya estaban presentes en la que está numerada como su primera obra
del género (aunque en rigor no lo sea, ya que antes Beethoven había escrito
otras).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Prueba de la importancia y vigencia de
su lenguaje son la clara impronta rítmica del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro</i> en fa menor, en compás binario, el desarrollo a través de
la transformación de una célula rítmica, la concisión, el ímpetu y un toque
claro y destacado que, en el segundo movimiento, (Adagio en 3/4) recuerda a
Mozart. El cuarto movimiento (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Prestissimo</i>
en fa menor en compás de 2/2) evoca, en su fuerte impulso inicial, a obras como
la sonata Waldstein. Es un movimiento temáticamente muy rico, donde la forma de
desarrollo habitual es manejada con mucha libertad y cierra con una nutrida
recapitulación de los motivos anteriores.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>Va de suyo que no se trata de un trabajo de iniciación sino de una obra
adulta y fundante, de complejidad temática y técnica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Estudio Nro. 7 (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Eroica</i>) en mi
bemol mayor,</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Franz Liszt </b>(1811-1886)
fue la siguiente obra. Descriptiva y de gran sonoridad en toda la extensión del
instrumento, es uno de los 12 estudios trascendentales. Está concebido en
escalas descendentes de gran bravura, luego de las cuales se presenta el tema
central heroico.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Le
sucedieron los <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Funerales</b>, de las <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Piezas poéticas y religiosas</b> del mismo
autor y una de sus obras más conocidas, donde –tal como sucede en el poema
sinfónico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Muerte y Transfiguración</i>,
de Richard Strauss- las connotaciones de la muerte van pasando del dolor
inicial al tránsito del alma a un ámbito liberador, en una textura de gran
expresividad, donde el compositor renuncia a todo efecto y cada elemento tiene
una función definida en el programa de la obra. Hay un momento de virtuosismo
antes de retomar el tema inicial. Se trata de una obra en que la demanda es
expresiva y a la vez técnica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Danzas Argentinas, opus 2</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Alberto Ginastera</b> (1916-1983) cerraron
el programa. Integrado el conjunto por la Danza del Viejo Boyero; la Danza de
la Moza Donosa y del Gaucho Matrero, su paleta de sonidos es de una enorme
riqueza que se apoya en las escalas que el compositor utiliza tanto como en la
impronta exuberante y rítmica de la primera, la dulzura de la sencilla línea
melódica de la segunda e intensa bravura de la última, con su tema central que
alterna con rápidos desarrollos que lo enmarcan y que finalmente lo resuelven
en un gran final.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Fuera de
programa interpretó los <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Preludios del
opus 11</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Alexander Scriabin</b>
(1872-1915) números 22, 13, 10 y 9, que corresponden a una serie de 24
preludios escritor entre 1888 y 1896. Son de una belleza serena e
introspectiva. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Fueron
el cierre ideal para el concierto.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Distintos
lenguajes, distintas exigencias con un elemento común: el virtuosismo de las
obras.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Discípulo
del maestro Aldo Antognazzi, Leonardo Chacón Oribe es un solista de gran manejo
técnico, muy perfeccionista y formado en la idea del maestro Antognazzi de que
el abordaje de las creaciones musicales es parte de un proceso interior, un
aprendizaje del intérprete donde el significado de las obras es tan central
como la técnica destinada a abordarlas.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La forma
es una parte de lo musical pero debe servir a algo que vaya más allá de ella y
en esa síntesis –forma y significado- es donde, precisamente, reside lo
musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Antes de
iniciar el concierto Leonardo Chacón Oribe se refirió –con gran concisión y
claridad-<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>al programa que iba a abordar,
a las exigencias de las obras, a su lenguaje y a las razones por las cuales las
había incluido.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";">Nuevamente es de lamentar no solo la
inexistencia de programas de mano, que nos priva de conocer la información
general del intérprete además de las obras que integran el programa, agravado
ello porque no se cuenta siquiera con un anuncio general con tal información.
El efecto pandemia se extiende más allá de la pandemia misma e instala una
nueva forma de pobreza en la cual el hecho musical pierde una de sus
características, una básica, que es saber quién y qué habrá de tocar.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Un suma,
pudimos acceder a un programa de obras de gran importancia musical por un
pianista joven pero ya muy formado, de gran manejo en la técnica y la
expresividad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Arial","sans-serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-18184864394750454182023-08-05T14:58:00.001-07:002023-08-05T14:58:10.836-07:00Concierto de Ciro Alejandro Rolón<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKOE0th5E_ixjISZGGspUaM5-8x6pKhD2NMtuFpWZecqOGllDJncaZXlgwp3FcjuRwPJ7yRFkXOUnItyvuXT3wrkiJO72qef4_n948rhn4kKih9XtgHmDCvUQFyEuHVZH79Yr2XJUHEv2Tdy2TF9p8NvR8rgeoXNQALhQB-2m_pThsxO1vL_UfRD9kgVes/s1600/Concierto%20de%20Ciro%20Rol%C3%B3n.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKOE0th5E_ixjISZGGspUaM5-8x6pKhD2NMtuFpWZecqOGllDJncaZXlgwp3FcjuRwPJ7yRFkXOUnItyvuXT3wrkiJO72qef4_n948rhn4kKih9XtgHmDCvUQFyEuHVZH79Yr2XJUHEv2Tdy2TF9p8NvR8rgeoXNQALhQB-2m_pThsxO1vL_UfRD9kgVes/s320/Concierto%20de%20Ciro%20Rol%C3%B3n.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Ciro Alejandro
Rolón, piano<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES">.Teatro Colón, Mar
del Plata, 3 de agosto, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Nacido en Río Negro, el joven
pianista Ciro Alejandro Rolón está llevando a cabo una nutrida agenda de
conciertos que proseguirá en el Museo Fernández Blanco, La Fundación Beethoven
y la Escala de San Telmo, entre otros escenarios.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Para su presentación en Mar del
Plata optó por obras de distinta naturaleza del repertorio romántico y
post-romántico del siglo XIX, de autores con una concepción pianística también
muy diferente.<i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Impromptu en la bemol mayor, opus 90</b>, <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">D 899, nro. 4</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Franz
Schubert</b> (1797-1828) abrió el programa. El hondo sentido melódico de quien
es, con toda evidencia, uno de los compositores mayores y más singulares de la
historia de la música, la belleza intrínseca de estas invenciones sepulta, por
decirlo así, el desafío técnico que implica abordarlas, ya desde su comienzo,
en rápidos pasajes en semicorcheas que forman parte del comienzo del primer
motivo y del acompañamiento luego. La escritura es un fluir de estos elementos
nada sencillos que deben ser interpretados en toda su musicalidad para dar el
sentido de improvisación que es la propia naturaleza de los impromptus.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Nocturno en do menor, opus 48 nro. 1</b>; el <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Estudio en do menor, opus 25, nro 12</b>; la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Mazurca en si menor, opus 33, nro. 4</b> y la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Balada nro. 1 en sol menor opus 23</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Frédéric Chopin</b> (1810-1849) siguieron en el orden del programa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">El nocturno y su
misterioso y delicado comienzo imponen un sentido de la frase similar al del
habla, íntimo y crepuscular, donde es difícil predecir a donde conducirá la
frase. Totalmente diferente, el estudio se destaca por su intensa sonoridad y
amplitud, en una permanente cascada de notas, ya sea en la línea melódica y el
acompañamiento. En cambio,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la mazurca,
con su alternancia dinámica y su acentuación que se desplaza del primer tiempo
del compás al segundo o que se aprecia en ambos, es una añoranza de la música
folklórica del país natal del compositor.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>La balada, una de las obras acaso más conocidas está desarrollada en un
permanente cambio dinámico y una línea que conduce de un motivo melódico a
otro. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">El pianista polaco Piotr
Andersewski en el interesante documental </span><span lang="ES">El viajero
inquieto –</span><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">donde evoca con dolor y nostalgia a aquella antigua Varsovia destruida en
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la Segunda Guerra Mundial</span><span lang="ES">- </span><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">se refiere a la naturaleza de la música de Chopin como una “ebullición
muy controlada” y su definición cobra sentido en estas obras de exuberancia y a
la vez de equilibrio, de sonoridad y a la vez de dulzura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Tales distintas
inflexiones –del nocturno, al estudio, de este a la mazurca y luego a la
balada- constituyen una exigencia para el sentido estético de la interpretación
e cualquier pianista y fue un acierto exponerlas en su rica diversidad.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las siguientes obras del programa
fueron: <span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">I. Prelude. Moderato, II Choral piu lento- Poco Allegro III Fugue Tempo
I° - Come Cadenza</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">César Franck</b>
(1822-1890). La obra de Cesar Franck es de una gran finura en la concepción:
virtuosística, dulce, conducida por motivos sencillos en un contexto de amplios
desarrollos sonoros. No parece dada en el fácil efecto sino en la delicada
sensación de un descubrimiento que nos conduce por motivos recurrentes y de una
belleza que les es peculiar. Poco difundida en el repertorio de los pianistas,
su complejidad de interpretación es evidente: rápidas cascadas de notas que
constituyen pasajes similares entre sí que se suceden y constituyen un tejido
muy cerrado, y la belleza de los motivos centrales. Se destaca en las frases las
micro-dinámicas: es decir, las variaciones de intensidades en una misma nota,
en un discurso que está concebido de ese modo particularmente en los pasajes
lentos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Obra de demanda técnica y a la vez
de criterio, hubo la rara oportunidad de escucharla en vivo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El programa concluyó con <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Six Moments Musicaux, opus 16: Nro. 3,
Andante Cantabile en si menor;<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>nro.
4,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Presto, en mi menor</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Sergei Rachmaninov</b> (1873-1943). Se
cumplen este año el sesquicentenario del nacimiento del compositor ruso y el
ochenta aniversario de su muerte. Es sin duda uno de los mayores exponentes del
post romanticismo, que vivió en un momento en que imperaban las vanguardias.
Fue fiel a su música y a lo que resuena en ella: la diversidad –desde el
intimismo de obras pianísticas como las del opus 23 o el 32- a la inventiva tan
racionalmente organizada de sus <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Variaciones
Sobre un Tema de Paganini</i>, opus 34 y muchas otras de diferente naturaleza,
como las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vísperas</i> para coro a
capella.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>El nro. 3 connota el lirismo nostálgico
de muchas de sus obras para piano solo mientras que el nro. 4 es una pieza de
bravura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Obras breves y representativas para
cerrar un programa donde todos los opus fueron representativos de un lenguaje y
de un compositor.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Luego de interpretar las obras de Chopin
Ciro Rolón se dirigió al público para referirse al repertorio, a lo
representativo de cada opus, a las razones por las cuales eligió cada uno de
ellos y a sus particularidades técnicas. Confirió a su presentación un carácter
espontáneo y a la vez orientó la escucha de este repertorio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>La
técnica permite abordar las obras pero su dominio es un punto de partida que
lleva a un criterio de interpretación dado en el sentido de la obra, lo que
significa para el intérprete y el modo de abordarla.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La falta de programa de mano, práctica
lamentablemente establecida en varios escenarios, no permitió al público
acceder a la referencias de la formación del pianista, que entre sus
antecedentes se cuentan el haber sido becado por el Centro de Estudios
Pianísticos (CEP BARCELONA) como alumno activo en las Clases Magistrales de la
reconocida pianista Ingrid Fliter (medalla de Plata en el Concurso
Internacional de Piano F.Chopin de Varsovia) sobre la obra de F.Chopin.<br />
así como haber obtenido el Primer Premio del Seminario y Concurso “Los
conciertos para piano y orquesta de Ludwig Van Beethoven”, cuyo jurado estuvo
conformado por miembros de la Comisión Directiva de ALAPP Argentina(Mayo 2019),
entre otras distinciones.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Una vez más, resulta enriquecedor el
contacto con los jóvenes intérpretes, quienes en una formación las más de las
veces intensa han podido desarrollar un sentido de la técnica así como <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de la significación de obras que abordan por
razones que siempre son muy caras a sus preferencias. Ciro Alejandro Rolón
eligió, de un repertorio más vasto, obras que por motivos propios deseaba
brindar al público y lo logró acabadamente<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="ES"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-38796652074693199042023-05-07T05:58:00.004-07:002023-05-07T05:58:37.718-07:00Concierto de galardonados en el Concurso de Piano y Música de Cámara 2022<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvMn2n_vkJNLtau7x8ablMG4bl5tH10lpFfmYhX1LJshCXNZl2I6dwyzY1uGbM9xA1JdN-zlDz8FfIkqkz7cPocMKZAANKLDvhEsthNi5cUmq5uvGtFee59Cx9YXvf_c3DOgs7IBtbyqRz1AALgpd4c3KPQ-Vq_rcgku_8L8qYpF55BcChriVY55DzBw/s858/Concierto%20de%20galardonados.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="648" data-original-width="858" height="242" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvMn2n_vkJNLtau7x8ablMG4bl5tH10lpFfmYhX1LJshCXNZl2I6dwyzY1uGbM9xA1JdN-zlDz8FfIkqkz7cPocMKZAANKLDvhEsthNi5cUmq5uvGtFee59Cx9YXvf_c3DOgs7IBtbyqRz1AALgpd4c3KPQ-Vq_rcgku_8L8qYpF55BcChriVY55DzBw/s320/Concierto%20de%20galardonados.jpg" width="320" /></a></div><br /> <p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Garamond, "serif";"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Emiliano Rivarola, piano<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Lucas Brass, violoncello y Martín Shuster, piano.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";">.Teatro Colón, Mar del Plata, 5 de mayo, hora 20.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En su
primera edición, el Concurso Nacional de Piano y Música de Cámara, Buenos Aires
2022, incluyó, como parte del premio un concierto con los ganadores del
certamen. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La primera
parte estuvo a cargo de Emiliano Jesús Rivarola, que obtuvo el primer premio en
la categoría piano solista. Egresado de la Facultad de Humanidades, Artes y
Ciencias Sociales de Entre Ríos como Profesor Universitario en Música y Técnico
Instrumentista Musical en Piano, fue alumno de los maestros Gastón Corazzini,
Sebastián Amarillo y Beatriz Pedrini<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y
lleva a cabo clases de perfeccionamiento con el Dr. Luís Sánchez. Ha participado
de clases magistrales con músicos tan importantes como Estela Telerman, José
Luís Juri, Haydee Schartz, el recordado Orlando Millá y otros.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En su
presentación abordó en primer término la <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Balada
en sol menor, opus 23 nro. 1</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Frederic
Chopin</b> (1810-1849) que tras el grave comienzo que genera expectativa,
presenta una melodía enigmática y cambiante, en sus inflexiones y dinámicas que
demanda el equilibrio de esos elementos con la propia dulzura de dicha melodía
y su sección de respuesta. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Fantasía en fa sostenido menor, opus 28</b>
de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Félix Mendelssohn</b> (1809-1847). De
un lenguaje muy diferente a la obra anterior –y también a la musicalidad tan
propia del Mendelssohn de obras como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sueño
de una noche de verano</i>, por ejemplo- plantea, sin un desarrollo melódico amplio
sino en una sucesión de acordes, un paisaje donde el propósito parece ser el
detenerse en la sonoridad pianística y su belleza en sí misma, presentando una
suerte de elemento –simple en su formulación- que se reitera y confiere unidad
al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Con moto agitato</i> inicial. Tras un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Allegro con moto</i> que rememora el toque
destacado de Mozart, la obra concluye con un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Presto –</i>en compás de 6/8<i style="mso-bidi-font-style: normal;">- </i>de
gran demanda técnica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Tierra linda</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Carlos Guastavino</b> (1912-2000) fue la última obra de la primera
parte. Con un comienzo con<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>cierta
remembranza raveliana, el pasaje conduce a un inesperado ritmo danzante con una
sección de enunciado y otra de respuesta. Lo que lo hace especialmente bello es
precisamente la inflexión delicada que demanda en sus acentos. Sencilla,
mutable y de gran riqueza, como toda la obra del maestro, apela a la
sensibilidad interpretativa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se trató
de obras de muy diferentes lenguajes y muy específicos requerimientos, muy
distintos entre una y otra: a la amplitud de sonoridades, intensidades y una
musicalidad propia de Chopin sucedió la rapidez y precisión del Mendelsohn de
la Fantasía opus 28 y de ella a una obra argentina; Emiliano Rivarola abordó
cada una de ellas con absoluto dominio técnico y expresivo y dentro de la
estética propia de cada una. Es un pianista ya completamente formado, como lo
prueba en modo en que abordó el repertorio elegido.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lucas
Brass y Martín Shuster ha tocado juntos desde 2010 y posteriormente, a partir
de 2014 crearon un trío de violín, cello y piano. Conformaron, asimismo, en
2020 el dúo con el cual se presentaron al concurso. Toman clases con el maestro
Stanimir Todorov. En la última edición del Campus Musical de la Armonía
trabajaron sobre obras de Bach (Martín Shuster) y la sonata para cello de
Zoltan Kodaly (Lucas Brass), es decir un repertorio de enorme demanda técnica y
expresiva.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Interpretaron
la transcripción del autor para cello y piano, de las <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Canciones populares españolas</b>, de<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Manuel de Falla </b>(1876-1946)
de las cuales abordaron seis. La peculiar acentuación en la línea de acompañamiento,
el ritmo danzante de la línea melódica son acaso las características más
salientes en un discurso que si bien varía sobre un par de elementos muy definidos,
no es nunca igual a sí mismo. Tanto es eso como las sonoridades lentas y
melancólicas –como en Nana- donde las resonancias del cello parecen no ceñirse
a una melodía sino discurrir en matices lentos y profundos, de enorme belleza.
En otros momentos se superponen una primera línea melódica con una segunda,
dando un gran relieve a la textura.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>En la
conversación posterior al concierto Martín Shuster señaló que la música
española es un sincretismo entre la danza, la melodía y el virtuosismo y que
esa es la clave que usa para abordarla y, agregaríamos, esa trama conforma la
propia textura cambiante, rica, imaginativa, rítmica y de sonoridades lentas,
todo casi sin solución de continuidad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Las <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Tres piezas de la vida judía B 54</b> de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Ernst Bloch</b> (1880-1959) fueron la
segunda obra de la segunda parte. De una belleza singular y desgarradora, con
un lenguaje eminentemente folklórico, que introduce a la obra con un motivo que
va siendo elaborado en pasajes lentos que discurren sobre una línea de la cual la
línea central se distancia levemente, hacia una zona más aguda y,
particularmente a los graves del cello, creando su efecto mayor en la propia
sonoridad del instrumento, es una obra sutil y, por consiguiente, de una
permanente demanda expresiva que reside, justamente, en los colores propios del
sonido instrumental.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">El Cisne</b>, del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Carnaval de los animales</b>, de <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Camile
Saint-Saens</b> (1835-1921) cerró un programa <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>singularizado por la presencia de música folklórica
y la alternancia con un fragmento del romanticismo tardío.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>La
amalgama de Lucas Brass y Martín Shuster como dúo es absoluta. Se trata de dos
solistas y músicos experimentados, con una técnica que manejan a la perfección
y una gran claridad en los criterios interpretativos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Lucía
Ghini y Bruno Amalfitano, como organizadores –y pianistas ellos mismos- se
refirieron al concurso, al gran nivel de los jurados y a la necesidad de que el
galardón obtenido se tradujera en un concierto de impulso a la carrera de los
jóvenes solistas. El nivel de los referidos solistas habla a las claras del
acierto de esta idea. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Se trató
de la presentación de tres artistas de gran relieve y formación musical.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif";"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoQuote" style="text-align: justify;"><span lang="ES" style="font-family: "Garamond","serif"; font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-78464783045309382572022-09-15T14:59:00.001-07:002022-09-15T14:59:15.594-07:00Recital lírico en Villa Victoria Ocampo<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJjvxHj57FjpV7MM3j3ENq1c1vSVC29JudP4xkUe2Twm8f-_RA752omhSg45zv4-pQAirfb28v7vDzd67jKxSIiRahJyU3T1vN1wI6ATn1YB6-yS4PL6F2H37pFSXLkXN6Mz4qBIdgm-P3TlsmY3otQK392sB60Qi-qq0XpoTnpECrd-I_UvteutBeeQ/s1024/Miguel%20Silva%20Mac%C3%ADas%20y%20Jon%C3%A1s%20Ickert.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1024" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJjvxHj57FjpV7MM3j3ENq1c1vSVC29JudP4xkUe2Twm8f-_RA752omhSg45zv4-pQAirfb28v7vDzd67jKxSIiRahJyU3T1vN1wI6ATn1YB6-yS4PL6F2H37pFSXLkXN6Mz4qBIdgm-P3TlsmY3otQK392sB60Qi-qq0XpoTnpECrd-I_UvteutBeeQ/s320/Miguel%20Silva%20Mac%C3%ADas%20y%20Jon%C3%A1s%20Ickert.jpg" width="320" /></a></div><br /> <b style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt;"> </span></b><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">El último recital del ciclo que desde 2015 ofrecen María
Paula González –en la producción- y Miguel Silva Macías –en la faz artística-
estuvo dedicado al repertorio alemán y austríaco, en la primera parte, y a canciones
argentinas en la segunda.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Se presentaron en la ocasión el tenor Miguel Silva Macías y el pianista
Jonás Ickert.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span style="font-size: 12.0pt;">An
Clohe</span></b><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">, K
.524, de <b>Wolfgang Amadeus Mozart</b> , para voz y piano, fue obra inicial
del programa. La siguió el aria de Tamino <b>Dies Bildris ist bezaubend schön</b>
del singspiel “<b>La flauta mágica”</b><i> </i>del
mismo compositor. De exigencia para la cuerda de tenor es, en una línea
melódica sencilla y de gran belleza, de una singular belleza y expresividad.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span style="font-size: 12.0pt;">Franz
Schubert</span></b><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">
compuso el ciclo de lieder <b>Viaje de invierto (Winterreise)</b>, sobre
poesías de Wilhem Müller, como surge del número de opus del catálogo (89 y D.
911) durante el último año de su vida. Se
trata de una de sus obras más significativas y centrales. En esta oportunidad
Miguel Silva Macías interpretó <b>Gute Nacht</b>, el primero de los lieder del
ciclo. En la metáfora típicamente romántica del viaje como símbolo de la vida,
de un exilio interior y de una exploración, las gradaciones de color son por
demás significativas: “Como un extraño llegué y como un extraño me marcho …Para
mi viaje/no puedo elegir el momento./Debo hallar mi senda/en la oscuridad./Una
sombra vaga a la luz de la luna es mi compañera”. Se trata de una obra de honda
y singular belleza y de un gran requerimiento expresivo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">
El lied <b>Sylvia</b>, D.891 de <b>Franz Schubert</b> fue la siguiente
obra, a la cual sucedió un interludio con la <b>Fantasía en re menor</b>, K.397
de <b>Mozart</b>, para piano. Le siguió el lied</span><span style="font-size: 12.0pt;"> <b>Verborgenheit</b> de <b>Hugo Wolf</b>. La primera sección finalizó
con <b>Zueignung
y Morgen</b>, de <b>Richard Strauss.</b><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">En la segunda parte fueron abordadas las <b>Cinco Canciones
Populares Argentinas</b>, de <b>Alberto Ginastera</b>: <b>Chacarera, Triste,
Samba, Arrorró y Gato</b>, que implican diferencias estéticas y requerimientos
muy diferentes una de otra.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Como bises, fueron interpretadas <b>Pueblito, mi
pueblo</b>, de <b>Carlos Guastavino </b>y </span><span style="font-size: 12.0pt;"> <b>Del
cabello más sutil, </b>de<b> Fernando
Obradors.</b><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Con obras del <i>Sturm
un drang</i>, como las de Mozart, del romanticismo temprano y del tardío, la
exigencia en los matices fue diversa. El lied requiere pureza de fraseo,
sutileza de inflexiones y ser plasmado en una perfecta pronunciación. Miguel
Silva Macías mostró nuevamente la ductilidad, diafanidad y matices de un timbre
que resultó especialmente apto tanto en ese repertorio como en el de la segunda
parte, donde los requerimientos son muy diferentes. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Une a ello sus cualidades de presentador: es sobrio,
cálido y conciso en las referencias a cada obra, capaces de ofrecer un criterio
de escucha para el oyente.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><b><span style="font-size: 12.0pt;">Jonás
Ickert </span></b><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">es un pianista de gran
sobriedad y amplitud en el repertorio que suele acompañar con asiduidad en
nuestro medio y se revela como un excelente solista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Ambos vienen de hacer presentaciones en Estados
Unidos. <b><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;">Como señalé en otras oportunidades, las
características salientes del ciclo son la variedad de repertorios –canción
alemana, francesa o argentina, así como arias de óperas-, así como el nivel
artístico con el cual estos repertorios son abordados, lo que significa la
oportunidad de poder asistir a obras poco frecuentes, como ciertos lieder y
canciones argentinas. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: 12.0pt;"> <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: 12.0pt;"> </span></p>
<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-AR; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US;">Eduardo Balestena </span>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-64995249026247897242016-06-16T05:58:00.001-07:002016-06-16T05:58:31.459-07:00Jerusalem Chamber Music Festival en el 1er. ciclo del Mozarteum<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUq6CGC65n6Bt6KkrcAJOpdDSBl_vF5LWgYeSaZ0Ui8ypygboEqe3amzyNQXvJNBY-a1cftaJ5ZO-JsOmJLNaNir80qhWeq1AAk4L-r6nN-MBDz0yGQfzfmIaxEiI38hazD_TDK97-EFrn/s1600/Jerusalem+Chamber.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUq6CGC65n6Bt6KkrcAJOpdDSBl_vF5LWgYeSaZ0Ui8ypygboEqe3amzyNQXvJNBY-a1cftaJ5ZO-JsOmJLNaNir80qhWeq1AAk4L-r6nN-MBDz0yGQfzfmIaxEiI38hazD_TDK97-EFrn/s320/Jerusalem+Chamber.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Jerusalem Chamber Music Festival<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Elena Bashkirova (piano y dirección)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Chem Halevi (clarinete)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Mihaela Martin
(violín)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Frans Helmerson (violoncello)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Temporada 2016 del Mozarteun; primer ciclo de conciertos<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro Colón de Buenos Aires, 13 de junio<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> En su
cuarta función del primer ciclo 2016 el Mozarteum Argentino presentó a la
agrupación de cámara del Jerusalem Chamber Music Festival dirigida por la
pianista Elena Bashkirova.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> La primera
de las obras interpretadas fue el <b>Trío
en si bemol mayor, opus 11 “Gassenhauer” de Ludwig van Beethoven </b>(1770-1827)
para clarinete, cello y piano. Escrito en 1798, responde a la idea de
desarrollar musicalmente un tema popular de ópera. Concebido en el lenguaje del clasicismo
desarrolla, en el último movimiento, una rica serie de variaciones sobre el
tema inicial. Beethoven ya explora un camino nuevo en el modo de utilizar las
variaciones, dando a ese marco clásico un nuevo sentido: la variación parte de
un elemento conocido y se aventura en sus posibilidades como si se improvisara
en un esquema mínimo. Aun sin el lenguaje denso e introspectivo de sus obras de
cámara mayores ya se advierte la impronta de búsqueda de libertad. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El <b>Cuarteto para clarinete, violín,
violoncello y piano de Paul Hindemith</b> (1895-1963) fue la segunda de las
obras.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Escrito en
la etapa posterior a las experiencias con la atonalidad -1938- en un proceso de
vuelta a las formas de los siglos XVII y XVIII- y estrenada en Nueva York en 1939, responde a
un ideal de búsqueda de la música pura, absoluta, regida por sus propias leyes
de composición y despojada de la
subjetividad romántica. La obra –de gran dificultad técnica- establece
un balance entre la importancia de los aspectos formales y el modo en que son
empleados: un paisaje siempre cambiante, por momentos, como en el primer
movimiento, con independencia de los instrumentos que sin embargo confluyen
concertadamente; fragmentos fugados, con entradas muy precisas y una casi renuncia
a la melodía sin desarrollos extensos. El resultado es una belleza parca y
concisa.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El segundo
movimiento, con el bello motivo del clarinete y el efecto que produce el modo
en que el violín y el cello acompañan ese motivo y el clima que surge en la
entrada del piano, momento en que cambia y se enriquece su carácter constituye
un lugar singular de la obra. El cambio en los matices, intensidades del
clarinete es permanente y conduce, en la elaboración del conjunto, a climas
siempre cambiantes. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El tercer movimiento,
que se inicia forma de fuga es el de mayor complejidad y dificultad técnica, en
intervenciones que van haciéndose más rápidas y cerradas, con una construcción
inspirada en las obras de Bach. Dividido en cuatro partes, esta suerte de
vuelta a las formas del barroco tardío se exterioriza de distintas maneras: el
uso de la fuga; las intervenciones del piano como una suerte de continuo, por
momentos, y en otra a la manera de las fugas de los libros de preludios y fugas
de Bach.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> La segunda parte se inició con los <b>Contrastes, Sz.111 BB 116 de Béla Bartók</b>
(1881-1945) para violín, clarinete y piano, de 1938. El ideal del nacionalismo
cientificista, en pleno auge del positivismo científico significó que en la
base del lenguaje musical estuvieran presentes los ritmos, modos y formas del
rico acervo folklórico de la región centro europea y sus distintos pueblos:
rutenos, rumanos, eslovacos, búlgaros, turcos. Formas cuyas posibilidades
expresivas eran de por sí limitadas fueron sin embargo los elementos fundamentales
de un nuevo lenguaje, el del <i>folklore
imaginario</i>.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Lejos de
limitarlo, en un contexto de gran libertad en el uso de estos materiales, de todas
las posibilidades tímbricas y rítmicas instrumentales, este esquema formal abrió un totalmente nuevo en la música.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Los
contrastes, de gran dificultad técnica, surgidos en la adversidad del exilio,
son uno de los ejemplos más acabados: el primer movimiento, por ejemplo, está
dado en el <i>Verbunkos</i>, una danza bohemia de reclutamiento pero escrita en una
sucesión y alternancia de modos antiguos (lirio; dórico; locrio y eólico)
dentro de un lenguaje armónico que utiliza distintos intervalos (cuartas;
quintas: séptimas y octavas y unísonos), marco de rica elaboración formal dado
en una exploración tímbrica y de motivos. Su comienzo, en la atmósfera de
misterio planteada por el pizzicato inicial del violín prepara la entrada del
tema principal en el clarinete.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> En el
segundo movimiento<i> Pihenó</i> (reposo)
también surge un tema enigmático que se hace más intrigante con la entrada del
piano, para intensificarse en el resto del desarrollo de diferentes maneras
(motivos, relaciones armónicas, el efecto del pizzicato en el transcurso de la
línea del violín) en un clima siempre sugerente y que finaliza de ese modo, sin
una resolución clara: la música no parece concluir sino simplemente detenerse.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El
tercero, <i>Sebes </i>(danza rápida)
contrasta en la intensidad, el uso de un
segundo violín con una afinación diferente (scordatura) y de dos clarinetes
(muy posiblemente en si bemol y do) y comienza con un rápido motivo luego
elaborado para alternar con una sección central, también en dos episodios y
volver al primer elemento y a un desarrollo ulterior de gran virtuosismo,
fuerza y riqueza.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El <b>Trío nro. 1 en si bemol, para violín, violoncello
y piano D. 898, de Franz Schubert</b> (1797-1828) cerro el programa.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Obra de
una enorme riqueza: en la belleza melódica, en las sonoridades e inflexiones del
discurso es por ello de una importante exigencia no sólo en los aspectos
técnicos (ya ese arranque en donde el motivo inicial comienza en el violín y
sigue en el cello es de gran precisión) sino también estéticos.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Consta de
un primer movimiento en la forma sonata que presenta un tema, suerte de centro
del desarrollo ulterior; un segundo en forma rondó y, tras el Scherzo un
riquísimo Rondó allegro vivace final enmarcado en una forma sonata.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Un tejido
de melodías y motivos de gran musicalidad, de muchos matices, cambiante en ese
aire danzante –en el Allegro- y de gran belleza sonora lleva a cada instrumento a líneas y
sonoridades de enorme delicadeza y poder expresivo. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Si en las
obras anteriores primaba la complejidad en el armado, el virtuosismo y la
rapidez fue dable apreciar en este trío el modo amalgamado y el fraseo perfecto
y la belleza y ductilidad del sonido de la Jerusalem Chamber Festival. Momentos
como la frase inicial del piano en el primer movimiento; la melodía del violín
en el segundo y la dulzura del cello en esa primera respuesta al tema inicial
son ejemplos de que no puede ser abordada sin un entendimiento absoluto entre
los músicos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <b>Los intérpretes<o:p></o:p></b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><span lang="ES"> </span></b><span lang="ES">Elena Bashkirova, pianista y directora,
se formó en el Conservatorio Tchaicovsky, de Moscú, ha colaborado con las
orquestas más importantes de Europa y creado el Jerusalem Chamber Music
Festival, en 1998 del cual es directora.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Nacida en
Rumania, la violinista Mihaela Martin obtuvo a los diecinueve años el segundo premio en el Concurso Chaicovski
de Moscú y posteriormente ganadora del
Primer Premio en el Concierto Internacional de Violín de Indianápolis, y fue
dirigida por Kurt Masur; Nokolaus Harnoncourt y otros grandes maestros.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Chen
Halevi debutó a los quince años como clarinetista con la Filarmónica de Israel,
bajo la dirección de Zubin Metha y es un importante virtuoso del clarinete que
ha llevado a cabo una extensa carrera en Europa y Estados Unidos<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El
cellista Frans Hemerson es docente de la Academia de Música Hans Eisner de
Berlín, habiendo sido frmado entre otros por Guido Vecchi y Mstislav
Rostropovich y desarrolla una amplia carrera internacional.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Se trató
de un programa de exigencias muy diferentes con obras representativas de muy
distintos lenguajes que tienen en común la demanda a los intérpretes: ya sea de
la técnica como de un sonido y armado solo posibles en un dominio acabado de
todos sus recursos. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">
<o:p></o:p></span></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena</span><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-39195443016883632842015-06-17T19:25:00.004-07:002015-06-17T19:25:53.784-07:00Atos Trio en el ciclo del Mozarteum<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN9ozH64MG_tbiHNMFWc_UaTC_7TRrIuTWbh9M1Ds4_RGWPWnwNoyPox6AwxtV5mTChzOSyUFMijw4sVIm2o-btr1GqkMVs6hOUGJU5uUt-a-MTgJSi20k2jshnN9DOxMTt8v-RQ_dlRgz/s1600/atos-trio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="219" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN9ozH64MG_tbiHNMFWc_UaTC_7TRrIuTWbh9M1Ds4_RGWPWnwNoyPox6AwxtV5mTChzOSyUFMijw4sVIm2o-btr1GqkMVs6hOUGJU5uUt-a-MTgJSi20k2jshnN9DOxMTt8v-RQ_dlRgz/s320/atos-trio.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Atos Trío<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Annette von Hehn (violín)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Stefan Heinemeyer (violoncello)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Thomas Hoppe (piano)<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Temporada 2015 del Mozarteun; primer ciclo de conciertos<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro Colón de Buenos Aires, 18 de mayo<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El Atos Trio brindó un ecléctico
programa en el ciclo del Mozarteum, con tres obras que en sus lenguajes y
épocas revisten una significación especial.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Formado en 2003 ha llevado a cabo una ya
extensa trayectoria y recogido numerosos reconocimientos, como el
“Kalischstein-Laredo International Trio Award” en 2007; el Gran Premio de
Jurado y el Música Viva Tour Prize de Melbourne, entre muchos otros.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su presentación fue la segunda llevada a
cabo en la Argentina.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El <b>Trio
en sol mayor, Hob.XV:25 “Gitano”</b>, de Franz Joseph Haydn (1732-1809) expande
el lenguaje propio de los tríos al dar mayor autonomía a las voces
instrumentales, dentro de la diáfana invención melódica y el manejo formal de
ese gran compositor que siempre, de uno u otro modo, estableció –a la vez que
obras que condensan el ideal clásico- nuevas posibilidades para futuros
desarrollos estéticos. Lo que destacó, ya desde la frase inicial del violín y
el piano fue el sonido: un arranque delicado, grácil, sin acentuar el tiempo
inicial, un uso muy limitado y puntual del vibrato y un piano que siempre
obtuvo el equilibrio con el violín y el cello; un fraseo sutil y elaborado en
todo el desarrollo de ese <b>Andante</b>
con variaciones del primer movimiento. La elaboración del tema principal en
modo mayor y las variaciones en modo menor brinda una diversidad sonora que
confiere a ese sonido su riqueza. El <b>Poco
adagio cantábile </b>del segundo movimiento comienza con un bellísimo tema en
el piano en un amplio desarrollo que en la sección central es tratado por el
violín y el cello, que establece una base armónica. El <b>Rondo a l`Ongarese Presto </b>es de una textura rápida, cerrada y de
gran variedad melódica y rítmica a partir del motivo inicial introducido por el
piano que será desarrollado ampliamente con el violín en una rica línea que se
complementa con la del piano. Se trata de un discurso de gran variedad de
acentos y cambios modales que llevan a esta obra mucho más allá del puro
exotismo dado por el gusto por ritmos folklóricos, en boga en la época, en este
caso elaborados con una gran riqueza de acentos y matices.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Hay una
presencia constante en la obra Antonin Dvorak (1841-1904) del patrimonio
musical bohemio, plasmada de distintas maneras tanto en sus sinfonías como en
la música de cámara: el uso de los ritmos danzantes, el desplazamiento de los
acentos de uno a otro de los tiempos del compás, los cambios rítmicos y su
permanente invención melódica. En el caso del <b>Trio en mi menor, op. 90 Dumky</b> (1891) estos elementos aparece
tratados de una manera diferente, única, haciendo uso de un enorme manejo
formal al servicio de una idea expresiva y no de la pura forma. Sobre la base
de la <b>dumka</b>, una forma de balada
épica ucraniana Dvorak elaboró un trio basado en seis dumky instrumentales, en
lo que constituye una elaboración nueva e inusual: la de una obra en seis
movimientos, con una gran variedad de cambios rítmicos, modales, y de acentos
que admite una pluralidad de conceptos interpretativos: en las aceleraciones de
los tempos; en los acentos; en las inflexiones. Es muy cuidada, además, en el
aspecto armónico: timbres que se singularizan forman parte además de la armonía
de un conjunto donde todo se destaca pero nada prevalece.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Atos Trio
interpretó una versión con acentos diferentes a los de versiones referenciales:
por ejemplo en el primer tema del <b>Lento
maestoso</b>, luego de la introducción, donde hubo una aceleración marcada de
lo que en otras interpretaciones es una suerte de danza, abordada en esta
oportunidad en accelerando que la hizo más compacta. Este abordaje siguió dicho
lineamiento interpretativo en otros lugares de la obra. Lo que se destacó así
fue el dominio interpretativo del grupo sobre la totalidad del aspecto formal de un creación que permite ser
pensada como un opus que admite una diversidad de enfoques, sin agotarse en
ninguno: glissandos, acentos que se desplazan, cambio en los modos (de menor a
mayor) le confieren un aire desgarrado a la vez que vivo y lleno de invención.
El presentar un motivo breve, tomar de dicho motivo un intervalo del final que
es utilizado en otro, con diferente tempo y diferentes acentos, le confieren a
este trío algo único, irrepetible: unidad en la diversidad, un clima de
permanente improvisación pero a la vez de organización.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> El
programa concluyo con el <b>Trio nro, 2 en
mi menor</b>, opus 67 de Dmitri Shostakovich (1906-1975). Compuesto en 1944,
suerte de homenaje a los hebreos y su música, logra una síntesis de la música
tradicional judía y formas como el canon o la passacaglia. Obtiene un sonido
introspectivo, a la vez rico y desolado: ya el comienzo en los agudos del
violín, motivo sobre el cual se establece un contrapunto con el cello, a lo que
se agrega el piano obedece a una idea de despojamiento: en lo rítmico, en los
efectos armónicos, produciendo una música concentrada pero en permanente
cambio.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Este cambio
se evidencia en que cada movimiento obedece a una idea distinta: el tercero,
por ejemplo, que se inicia con un coral que el piano plantea en una sucesión de
acordes –claros y destacados- sobre los que luego se construye una passacaglia
–el uso de un elemento reiterado en una exposición.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Al conocer
las circunstancias de la gestación de este opus: una Rusia diezmada por la
guerra, un compositor abrumado por las poblaciones eliminados en los campos de
exterminio, el último movimiento, escrito en los modos antiguos de la música
judía, con intervenciones secas, tajantes, que se intensifican y reiteran y que
al hacerlo inundan al oyente, cobra una especial significación.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música no es un ejercicio intelectual
ni un mero placer sino algo capaz de producir sensaciones. Obra que requiere no
sólo un dominio formal son también una actitud interior, la de Shostakovich es
un universo en sí misma.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Nacida en
Kiel, Alemania, Annette von Helm, que interpreta en un violín Stradivarius, ha
intervenido como solista y camarista en escenarios como el Carnegie Hall o el
Weill Recital Hall de Nueva York. Inició sus estudios de violín a los cuatro años y ha recibido numerosos
reconocimientos internacionales.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Stefan
Heinemeyer, nació en Berlín, comenzó sus estudios de cello a la edad de 4 años
y ha sido merecedor de numerosos premios, desempeñándose como cellista en
diversas orquestas como la Münchner Rundkunkorchester y en la Orquesta Klang
Verwaltung.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Thomas
Hoppe, también nacido en Alemania se actuado con solistas como Itzhak Perman;
Joshua Bell así como con distintos cantantes, además de desempeñar una
importante actividad como pedagogo.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> La
elección del programa no fue azarosa: permitió un viaje a través de la forma
trío en manifestaciones de las más acabadas del género: tres estéticas muy
diferentes, cada una con exigencias propias y cada una capaz de expresar una
concepción musical<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-38411952746121914682015-05-17T16:12:00.003-07:002015-05-17T16:12:54.881-07:00Pro Musica Antiqua Rosario en el Ciclo de Intérpretes Argentinos<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwTcj99XgJmA-v-OQdsJDebJDQ8RfW_jbfDoTo-3q0jtCBp1bTsQdIzekN6mJ7vE7I0JfXbmI0Kr0N3WyVy1vLanpk3nR2JxUmIhHvwGUVYK9hyphenhyphenjBt-miJ66g_xSs7gEqIeY41NxEXDExO/s1600/antiqua_02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwTcj99XgJmA-v-OQdsJDebJDQ8RfW_jbfDoTo-3q0jtCBp1bTsQdIzekN6mJ7vE7I0JfXbmI0Kr0N3WyVy1vLanpk3nR2JxUmIhHvwGUVYK9hyphenhyphenjBt-miJ66g_xSs7gEqIeY41NxEXDExO/s320/antiqua_02.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;">.</span><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Conjunto
Pro Musica Antiqua Rosario<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Director:
Cristián Hernández Larguía<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro
Colón de Buenos Aires, 18 de mayo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El Ciclo de Intérpretes Argentinos del Teatro
Colón contó con la actuación de este prestigioso y reconocido grupo formado en
1962 por su actual director, el maestro Cristián Fernández Largía, en un
programa dedicado a “Música y Monarquía”, en que fueron abordadas obras
representativas de la época de Enrique VIII e Isabel I.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es habitual que las presentaciones del ensamble se
encuentren orientadas hacia un período o aspecto musical determinados. Como lo
ilustró el maestro a lo largo de la presentación siempre la música acompañó a todos
los acontecimientos importantes. Fue también así durante el renacimiento,
período en el cual, como en el caso de Enrique VIII e Isabel I, los reyes
solían interpretar más de un instrumento y ser autores de obras destinadas a
distintos propósitos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Con anterioridad a
conceptos como el de público o ámbitos como el teatro, la música era
parte de la vida cotidiana a grado tal que en las tabernas de Inglaterra había
laúdes para que los parroquianos pudieran tocarlos mientras esperaban (lo que
da idea además de la amplia difusión del instrumento).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Anterior a la consolidación de la tonalidad y de
las formas propias del barroco, el sentido de espontaneidad y frescura
caracteriza a esta etapa, en un instrumental muy variado, colorido, de sonidos
muy diferentes a los del período
posterior: largas líneas melódicas, muchas veces sin resolución; madrigalismo
en las voces que sigue la inflexión subjetiva del sentido, son algunas de sus
características salientes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El maestro ilustró, por ejemplo, que My <i>Lady Carey’ s (danza)</i>, anónimo, para
virginal (instrumento de teclado similar al clave, propio de Inglaterra),
tocada en clave, cuyas diferencias sonoras son mínimas respecto al virginal, que
constituye un punto de inflexión entre la música del período de Enrique VIII y
el de Isabel I es la primera obra concebida en términos del lenguaje del
teclado. Ello fue posible de apreciar tanto en la línea melódica como en el
soporte del bajo que la acompaña: un lenguaje netamente para teclado, con
desarrollos extensos de elementos temáticos, con un sentido del cambio y de la sonoridad
y una función definida del bajo. Fue abordada por Manuel Marina, quien además
de solista de clave es también intérprete de viola da gamba, flauta travesera
renacentista y voz. Ello marca otra de las características del conjunto:
músicos que se desempeñan en distintos instrumentos y que, en oportunidades sentados
ante los atriles, cantan. La presencia de la música del renacimiento lleva el
signo de lo grupal, del cambio, de la exploración, más allá de una concepción
individual.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En tal sentido, el de las voces es uno de los
aspectos más salientes: música espontánea, no destinada a salas grandes sino a
las pequeñas cámaras, con instrumentos de un timbre cálido, dulce, muchas veces
impreciso, sin el brillo ni el alcance del instrumental contemporáneo –pero con
una connotación de cercanía y encanto en el sonido absolutamente propia- y con
una afinación muy distinta, tienen su correlato en la voz: un canto sin
vibrato, un sentido íntimo de la frase y de la línea como una suerte de
descubrimiento e improvisación, como el bellísimo <i>Can she excuse me wrong? (ayre)</i> para mezzosoprano –en la que
intervino como solista María Soledad Gauna- y laúd de <b>John Dowland</b> (1565-1626). No obstante, otras obras están –tales
como See<i>, see the shepperd’ s queen</i>,
de <b>Thomas Tomkins</b> (1573-1656) concebidas
de forma compleja, fugada, rápida y sus demandas interpretativas son diferentes.
Ambas, junto con <i>Hark, all ye lovely
saints above (ballet)</i> grupo vocal e instrumental, de <b>Thomas Weelkes</b> (1575-1623) pertenecen al período isabelino. Pasajes
que parecerían originalmente pensados como un duelo de improvisaciones alternan
en distintos dúos de instrumentos –percusión, flauta- ; otros a cargo de varios
solistas vocales lo hacen sobre el fondo del resto del coro, y son muestras de
lo espontáneo y variado de un discurso musical y de la riqueza de obras
probablemente no pensadas con una finalidad estética y que simplemente surgían
ante determinadas ocasiones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El manejo de un instrumental tan rico: percusión;
flauta dulce; cromorno; dulción; sacabuche; viola da gamba y el de la voz son
absolutos; su evidente perfección ha llevado a Pro musica Antiqua Rosario al
lugar que ocupa en la escena musical: una estética hecha de lo grupal, un
sentido de totalidad sólo posible en la homogeneidad del nivel interpretativo,
y un conocimiento profundo permiten acceder a obras musicalmente muy bellas y
variadas. Ya la constitución del grupo, con el maestro Néstor Mozón como
subdirector; Susana Iriberri y Manuel Marina como asistentes y María del Carmen
Dall´Aglio y Myrtha Spam a cargo de los ensayos parciales es un indicador de la
modalidad de trabajo que impera en un
grupo que ha llevado a cabo giras por distintos países europeos y americanos
(Inglaterra, Alemania, España, Italia, Estados Unidos, entre otros).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">También evidente es el liderazgo del carismático
maestro Hernández Largía, su entusiasmo, su conocimiento tan profundo de los
repertorios abordados, algo que,
indudablemente, ha formado la identidad de este conjunto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ello es indicativo, asimismo, del valor del Ciclo
de Intérpretes Argentinos que se lleva a cabo gratuitamente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-86256353131093892572015-03-16T20:25:00.001-07:002015-03-17T19:15:06.882-07:00La Camerata Bariloche en el Ciclo de Interpretes Argentinos<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinEG5gQ1q0d04PfR2FdcJQMRsJXkTuuinoAe0p0QEgMsgVQHIaYanZ9ivM-x-JpLetOIB4h_YrwCcllQEseXX1SBG50htsao0ixG0x8qSN5pOTztzg8ZEPLZcNMiVk09L-DBLvOpeaAr4B/s1600/Camerata+Bariloche.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinEG5gQ1q0d04PfR2FdcJQMRsJXkTuuinoAe0p0QEgMsgVQHIaYanZ9ivM-x-JpLetOIB4h_YrwCcllQEseXX1SBG50htsao0ixG0x8qSN5pOTztzg8ZEPLZcNMiVk09L-DBLvOpeaAr4B/s1600/Camerata+Bariloche.jpg" height="217" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Ciclo de Intérpretes Argentinos: Camerata Bariloche<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Director y Concertino: Freddy Valera Montero<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;">.Teatro Colón de Buenos Aires, 15 de noviembre, hora 11.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El ciclo 2015 de intérpretes argentinos del
Teatro Colón de Buenos Aires fue inaugurado con la actuación de la <i>Camerata Bariloche</i>.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><span lang="ES">Las
cuatro estaciones, (del opus 8, “Il cimento dell´ armonía y dell´invenzione”
Antonio Vivaldi </span></b><span lang="ES">(1678-1741)<b> </b>fue
la obra inicial del programa. Fruto de un virtuoso del violín, como ya en 1725
lo era desde hacía mucho el gran maestro veneciano, esta obra programática sigue,
verso a verso, a un texto poético del cual sin embargo, en términos musicales,
se independiza. Ofrece en este sentido, un tejido de cambios rítmicos y
dinámicos que, en la línea de la belleza melódica más absoluta, la
caracterizan. El resultado de la cerrada amalgama de estos elementos es una de
las obras más conocidas y queridas del repertorio de cámara, que ofrece tantos
matices como versiones parecen existir.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La belleza tímbrica, la articulación de
las frases, la dinámica –siempre cambiante- sólo parecen posibles en un manejo
formal tan profundo que haga que un tejido que nunca deja de ser virtuosístico
resulte siempre espontáneo y capaz de plasmar esa riqueza musical dada en una
identidad tan propia. Un ejemplo es la polifonía entre el violín solista y
otros dos violines luego del tema inicial. La obra está concebida en estas
alternancias expresivas. La línea del violín solista parece estar pensada para
que sea posible manejar libremente tempos e intensidades del fraseo. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Freddy Varela Montero, en su doble rol
de concertino y director llevo a cabo una interpretación que destacó la
sobriedad de la línea melódica por sobre ciertos cambios de contrastes y
acentuaciones –como la de <i>Accademia
Bizantina</i> por ejemplo- pero abordando tanto los contrastes de la obra como
sus cambios y gradaciones, con un sonido absolutamente puro y amalgamado en
toda la cuerda y un clave que resultó tan sutil como presente (el clave entrega
un clima propio pero más que evidenciarse debe sugerirse). Ornamentaciones,
ligaduras, acentos, cambian de una en otra versión: no parece haber un criterio
fijo; de este modo, lo que destaca de la obra es la claridad con que el
ensamble pueda plantear su concepción de ella y el dominio formal sobre líneas
melódicas tan claras como singulares y expresivas.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No debe haber sido fácil la continuidad en
la interpretación ante el entusiasmo y los aplausos, no sólo entre cada
movimiento -de cada uno de los cuatro conciertos- sino aun en el cambio de un
pasaje de uno a otro motivo en los frecuentes esquemas temáticos de los movimientos.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todos los comienzos, todos los ataques
definen un clima sonoro nuevo de una textura cambiante. Uso del <i>vibrato</i> puntualmente, como un efecto,
relieves sonoros sin desbordes ni efectismos caracterizaron una versión
absolutamente lograda de esta muestra del barroco medio instrumental en una de
sus obras más entrañables.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El programa continuó con la <b>Suite “De los tiempos de Holberg”, opus 40,
de Edvard Grieg</b> (1843-1907). <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ludvig Holberg (1648-1754), filósofo y
dramaturgo, padre de la moderna literatura noruega, era considerado el “Moliere
Danés”. Fue en ocasión de conmemorarse el segundo centenario de su nacimiento
que Grieg escribió una cantata y una suite para piano que inmediatamente
instrumentó para un conjunto de cuerdas que supo manejar con el mismo virtuosismo con que manejaba el piano.
Lo hizo recreando libremente las danzas barrocas propias de los “tiempos de
Holberg”, idea que le permite una suerte de posibilidades nuevas en el uso de ritmos
más allá del marco expresivo con el que fueron pensados, y explotar tanto el
carácter vivo de esos ritmos como el sonido propio de su lenguaje nacionalista
romántico. Síntesis de pasado y presente, de lenguajes de distintas épocas,
este postulado le brinda lo que singulariza a la obra: riqueza rítmica,
variedad de climas sonoros, de combinaciones entre los instrumentos –por los
intervalos en que los maneja unos con respecto a otros, por ejemplo- y riqueza
de ideas musicales.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ya el <i>ostinato</i> con el que se abre nos muestra ese carácter: una
introducción enérgica que no presenta un tema definido sino que plantea una
intensidad; el primer tema surge como si fuera un elemento secundario. Otro
de los lugares más característicos es la resolución de ese material en un
pasaje intenso pasaje descendente que va abarcando todas las secciones. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La <i>Sarabande
</i>(danza de origen español) que le sigue marca, en su carácter suave y dulce
–donde se trabaja más sobre la tersura y delicadeza del timbre, como es el caso
del bellísimo solo de cello, que sobre el ritmo- un fuerte contraste. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Le sigue una <i>Gavotte-Musette</i> (danza francesa) que introducen un clima elegante
–la primera- y popular –la segunda- sumamente amalgamadas no obstante al
carácter distinto.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El <i>aria</i>
siguiente, lenta y contemplativa y extensa, establece un bello y fuerte
contraste con el <i>Rigodón</i> final: si
toda la obra es demandante en su expresividad, en su velocidad y precisión, en
el fuerte carácter espontáneo e imaginativo, el ultimo numero lo es también en
el virtuosismo, particularmente en el dueto entre el violín y la viola
solistas: es la resolución de los pasajes en elementos que pasan de un instrumento
a otro y la amalgama de sus timbres lo que produce un resultado único.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La muy acertada decisión de hacer pasar
a la solista de viola-Marcela Magin- a interpretar junto al violín solista,
permitió apreciar la cerrada trama de ese dúo inicial con el cual la obra
también concluye –luego de una hermosa sección central- :no podía ser de otra
manera porque no parece posible ir más allá de este rico elemento.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Director musical del que debe ser el
conjunto de cámara más antiguo y relevante internacionalmente de la Argentina, creado
en 1967 a partir del Camping Musical de Bariloche, la Academia Musical de
Bariloche y la Academia Interamericana de Música de Cámara, sucesor de Alberto
Lisy; Ruben González, Elias Khayat y Fernando Hasaj, Freddy Varela Montero es un
muy destacado violinista nacido en Concepción, Chile, se formó –entre otras
experiencias musicales- con Daniel Heifetz y el Cuarteto Guarneious en Estados
Unidos, y tiene una vasta experiencia tanto en música de cámara como en música
sinfónica.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Fueron excelentes versiones por parte de
un gran conjunto de cámara de obras muy ricas y significativas musicalmente.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <b> <o:p></o:p></b></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-73895061292765244812015-02-11T18:52:00.003-08:002015-02-11T18:52:40.589-08:00Mozart, Beethoven y Max Reger<div class="MsoNormalCxSpFirst" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: lines-together; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;">
<span style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El concierto
del 10 de febrero del Ciclo de Música de Cámara de Bach a Piazolla, en el
Teatro Municipal Colón contó con la actuación de Juan Pablo Gez Carballo
(viola); Aron Kemelmajer (violín) y Alexis Nicolet (flauta).</span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El programa
comenzó con el <b>Dúo para violín y viola,
K.v. 423 en sol mayor</b>, de <b>Wolfgang
Amadeus Mozart</b>. Ya desde su comienzo, con un motivo de violín y su sección
de respuesta, ambos instrumento se amalgaman en un diálogo cerrado que marca
todo el desarrollo de la forma sonata de ese primer movimiento. Afinación,
ductilidad en el fraseo, un timbre suave, no incisivo –lo cual se hace más
evidente en el adagio- son los requerimientos que plantea un trabajo que nos
dice que difícilmente las obras de Mozart carecen de originalidad e interés:
siempre hay algo que es propio en cada una.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El <b>Trío para violín, viola y flauta
“Serenata”, opus 25</b> de <b>Ludwig van
Beethoven</b> que siguió es una obra de diversidad y riqueza formal en esa
concepción de serenata para tres instrumentos. Diversidad en las formas, en los
volúmenes, en el ritmo y un sentido de invención permanente que se establece ya
desde el comienzo. Sin un desarrollo melódico amplio sino con una trama de
motivos desarrollados por tres instrumentos casi en paridad –casi porque el de la
flauta resulta el timbre más neto y que parece marcar el rumbo- se logra un
todo grácil, imaginativo y rico en permanente cambio, con variaciones (como era
dable esperar en un compositor que llevó a esa forma a una cúspide). Por
momentos –como en el adagio-allegro vivace final aparece cierta indefinición
tonal que hace pensar en la obra posterior de Beethoven. Obra de inventiva, sus
recursos parecen muchos, también sus exigencias.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
programa concluyó con el <b>Trío para
violín, viola y flauta “Serenata”, op. 141 a</b> de <b>Max Reger (</b>1873-1916) en la cual el contraste entre los motivos
rápidos y la armonía con los que son tratados hace sumamente interesante, y la
ubican más cercanamente al lenguaje del siglo XX que al post romanticismo del
cual Reger es exponente. Quita todo efecto a las voces instrumentales que trata
de un modo sobrio, despojado, utilizando el contrapunto –como en el bellísimo
largheto- en que los instrumentos tratan
alternadamente los elementos musicales. Las voces parecen modular a otras
tonalidades y desvanecerse al tiempo que surgen. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Obras de relieves, de exigencias específicas
cada una de ellas, no son posibles de abordar sin un entendimiento
interpretativo entre los ejecutantes. En la de Beethoven, acaso la más variada
y demandante, requiere ser abordada desde un aspecto dinámico siempre cambiante
donde las intensidades distintas deben ser resueltas en un fraseo grácil y con continuidad en elementos de dificultad
en sí mismos. El ejemplo más notorio es el de la flauta. El uso de la viola
parece lejos de ser relegado a un simple soporte armónico y explotarse su
timbre dulce, algo apagado, de sonidos más difuminados que los del violín.
Alexis Nicolet mostró su ya reconocida solvencia en el fraseo propio de esta
tesitura. Solista formado, que lo ha sido en obras tan dificultosas como el
concierto de Khachaturian para flauta, es evidente su aptitud para la música de
cámara. Violista en la Orquesta Sinfónica Municipal y en la Sinfónica de
Olavarría, Juan Pablo Gerez Carballo mostró no sólo un sonido trabajado sino
que también una completa amalgama con el conjunto en una formación que no
admite vacilaciones.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Completo
como presentador de las obras, Aron Kemelmajer sabe plantear los aspectos
salientes capaces de guiar el acceso a compositores y períodos y la escucha de
obras no siempre habituales en el repertorio de cámara. Músico de una vasta
experiencia –sinfónica y de cámara- capaz de abordar lenguajes diversos, ha
mostrado nuevamente que el camarístico es un género en el que se desenvuelve
con absoluta comodidad. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-bottom: 12.0pt; mso-add-space: auto; mso-pagination: none; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena</span><o:p></o:p></span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-37852756318614316302014-11-03T14:18:00.000-08:002014-11-03T14:18:01.423-08:00Precisa textura de ideas musicales<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu2J2Uw8ct7YyugmqTwSYkMjZLdPLlVpzSOINvgZWFPNk2lKd3pNkwlHgfMaURhuS2SRnB8EhBv8LAFT9D3_HAUoQtntfAhyphenhyphen6ka0aXIYlhIXrCx5PvSiCWX1dUhrb0HBxcAMg_I9rJK4JO/s1600/Interpretes+argentinos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu2J2Uw8ct7YyugmqTwSYkMjZLdPLlVpzSOINvgZWFPNk2lKd3pNkwlHgfMaURhuS2SRnB8EhBv8LAFT9D3_HAUoQtntfAhyphenhyphen6ka0aXIYlhIXrCx5PvSiCWX1dUhrb0HBxcAMg_I9rJK4JO/s1600/Interpretes+argentinos.jpg" height="200" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Ciclo de Intérpretes Argentinos: Dúo de pianos<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Fernanda Morello y José Luís Juri, pianos<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Gustavo Alfieri y Arturo Vergara, percusión<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">.Teatro Colón de Buenos Aires, 2 de noviembre, hora 11.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El ciclo de intérpretes argentinos del
Teatro Colón de Buenos Aires contó con la actuación de los pianistas Fernanda
Morello y José Luís Juri y de Gustavo Alfieri y Arturo Vergara en percusión; en
un programa que comenzó con <b>Scaramouche,
suite para dos pianos, opus 165 b</b> de
Darius Milaud (1892-1974) obra escrita en 1937 de encanto sonoro, belleza
melódica y variedad rítmica. Varios son los requerimientos que estos elementos
plantean, diferentes en cada movimiento: en el primero (<i>Vif</i>) el ritmo y una acentuación enérgica que parece caer por
momentos en lugares inesperados. O el <i>Moderé</i>,
lento, de gran encanto melódico. El tercero <i>Brasileira
</i>retoma es riqueza rítmica en líneas diferentes a cada uno de los pianos.
Recordaba Dave Brubeck que cuando fue alumno de Milaud el maestro le recomendó
viajar y recoger ritmos en la calle. Esta obra hace evidente que predicó con el
ejemplo.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El concierto continuó con la <b>Fantasía en fa menor para piano a cuatro
manos, D.940 (opus póstumo 103</b>, de Franz Schubert (1797-1828). Delicadeza
del fraseo, fluidez melódica y más que nada sutileza de matices es lo que
requieren las obras de un compositor capaz de conferir a cada opus un sentido
único de unidad, intimidad y a la vez de improvisación, incertidumbre y
permanente sensación de descubrimiento, ya sea de una melodía o de un matiz.
Requiere esas cualidades del intérprete, el sentido de balance de cada elemento
en un paisaje de permanentes cambios dinámicos, elementos que Fernanda Morello
y José Luís Juri manejan con un dominio técnico y estético absoluto. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La <b>Sonata
para dos pianos y percusión (SZ110)</b> de Bela Bartók (1882-1945) cerró el
programa. Esta combinación de timbres ya había fascinado a Bartók en el
concierto para piano de 1926, en cuyo segundo movimiento sólo intervienen el
instrumento solista, la percusión y vientos.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sir Georg Solti (quien grabó esta obra
en 1987, con Murray Perahia; Evelyn Glennie y David Corkhill) fue alumno de
piano de Bela Bartók. En la presentación de la obra, el 16 de enero de 1938 en
Basel (los percusionistas fueron Fritz Schiesser y Philipp Rülig) a último
momento, fue llamado a pasar las hojas de la partichela de Ditta Pásztory, segunda
esposa del compositor, con quien éste también estrenó la obra con éxito en Estados
Unidos. Como no había visto la complicada partitura antes el trabajo no fue una
tarea nada fácil, declaraba. También que cuando la ejecución acabó se produjo
un incómodo silencio. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ello da una idea tanto de la
originalidad del planteo musical como de la dificultad. Una precisa textura de
ideas musicales vinculadas, en permanente transformación, en cambios de
tonalidad –en el primer movimiento- que no depara ninguna comodidad al intérprete
ya que el carácter compacto –y la musicalidad que de él se deriva- sólo se
puede lograr de una sola manera: al tempo y la justeza requeridos por esa
compleja partitura a la que se refería Solti. Muy precisas son las indicaciones
relativas a una percusión cuyo papel es muy diferente al de la orquesta
tradicional: variedad de timbres, de climas e intensidades; por momentos marca
el paso de un elemento a otro, por momentos indica el motivo musical –como en
el segundo movimiento y casi siempre
redunda en puntos de inflexión, por ejemplo al comienzo: la obra se inicia en
el timbal, es expuesto y desarrollado un primer motivo dos veces, siendo
enriquecido progresivamente por el otro piano y subrayado por el platillo hasta
la primera intervención del redoble, donde se produce un cambio y se sucede la
intervención de otros instrumentos como el xilofón y el bombo: parece que fuera
en ese lugar en que una transformación motívica incesante se desencadena.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Climas sonoros derivados de la repetición
de elementos de un motivo que se convierten en otros, acentos inesperados,
variedad inesperada de timbres, son algunos de los elementos de un lenguaje tan
propio como sorprendente, absolutamente el producto de un largo proceso de gestación
y madurez compositivos donde tanto la proporción aurea (la obra surge
suavemente de la percusión y termina suavemente en ella, con la misma
proporción y la misma intensidad de crescendos y decrescendos), o la idea de
que un encontraremos el elemento opuesto a un motivo expuesto en forma especular,
en esos momentos en que la obra parece regresar de algo previamente dicho.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay un pasaje, en el tercer movimiento,
en que el xilofón interviene con uno de los pianos, en otros se producen cruces
que dan color. No es fácil para la percusión enfrentarse a dos pianos tocando siempre
en forte y en función percusiva.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todo ello nos puede dar una idea del
enorme trabajo que lograron Fernanda Morello; José Luís Juri; Gustavo Alfieri y
Arturo Vergara: poder llevar adelante, como lo hicieron, una obra que no usa la
precisión sino que se basa en ella, sin indicaciones explicitas, sólo a fuerza
de la exactitud, la cuenta de los compases o de escuchar al otro, lo que permite
apreciar lo que significó poder contar con esta obra por intérpretes tan
formados técnica como expresivamente. <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pianistas ya de larga trayectoria, que
han abordado en distintos escenarios o con diferentes formaciones obras de
muchos períodos –de forma que sería extenso enumerar- pareciera que tal eclecticismo
es un requisito para abordar una obra como la de Bartók. Lo mismo es dable
expresar de Gustavo Alfieri y Arturo Vergara: la percusión no consiste en
subrayar un efecto, en dar un color sino, que es esencial para este opus, sin
ella no hay matices, no hay puntos de inflexión ni el marco preciso que
requiere un trabajo de este calado.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todos ellos lograron una excelente versión
de uno de los trabajos más importantes de ese genio del nacionalismo musical
cientificista que no sólo hizo ciencia de la música sino que hizo música de la mejor<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena<o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</span></a><span style="font-family: Garamond, serif;"><o:p></o:p></span></span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-2158059733659167492014-02-05T11:01:00.001-08:002014-02-05T11:01:14.057-08:00Quintetos de Mozart y Beethoven para piano e instrumentos de viento<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el concierto del 3 de
febrero en el Teatro Municipal Colón del Ciclo de Música de Cámara de Bach a
Piazzolla, se presentaron Graciela Alías (piano); Juan Mariano Cañon (oboe);
Gerardo Gautin (fagot); José Garreffa (corno) y Mariano Romano (clarinete).<br />
El <b>Quinteto K 452 de Wolfgang Amadeus Mozart</b> y el <b>opus 16 de Ludwig van Beethoven</b> que fueron interpretados tienen
diez años de diferencia (1787 y 1797) y corresponden a dos edades compositivas
distintas: la madurez del Mozart de Don Giovanni y la juventud de un Beethoven
vuelto indudablemente hacia el rico universo mozartiano.<br />
<b>Un rico planteo expresivo</b><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Ambas, en su concepción
clásica, son obras de riqueza formal, melódica y equilibrio entre los timbres
instrumentales. Requieren justeza tanto como elegancia y ductilidad en un
fraseo sin el cual el elaborado esquema formal no podría lucir por sí mismo. De
este modo, lejos de conferirle un rol de soporte armónico a las voces graves y
de virtuosismo a las maderas, los timbres se despliegan en un absoluto
equilibrio en el cual a cada una de esas voces le caben prácticamente idénticos
requerimientos melódicos. Tal gradación, además de la distribución de los
timbres en las dinámicas, implica el permanente cambio de los climas
sonoros dentro de un sentido de balance, gracilidad y exploración de la
continuidad de un discurso musical tan delicado como sólido.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ello implica un sentido de la frase muy definido en
instrumentos, como el fagot o el corno, que en la orquesta no suelen transitar
líneas rápidas, prolongadas, de sutiles cambios dinámicos o de rápidas
figuraciones. Todos los instrumentos, no importa el rol en el cual estamos
acostumbrados a oírlos, tienen el mismo aporte –que se diferencia en pasajes
puntuales, como el bellísimo pasaje del oboe en el Andante del quinteto opus
16- y de cada uno parece rescatarse una habilidad en especial. Se trata de
obras de gran sabiduría en esa construcción y en el despojamiento de todo
efecto fácil.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">De factura amable son, sin embargo, demandantes y
complejas tanto en los pasajes rápidos en los que abundan como en el sentido de
una musicalidad que debe ser siempre homogénea en todo el conjunto. El opus 16
es diferente a otras obras beethovenianas, aquellas de carácter y fuerza, ya
que en todo momento prevalece una línea melódica dulce y flexible.<br />
<b>Intérpretes<br />
</b> Una vez más Graciela Alías
destacó sus cualidades propias: equilibrio, claridad en las articulaciones y
relieve de la línea melódica y de fraseo: cada pasaje es único, en su
gradación, en su función respecto al todo y en su belleza sonora en sí misma.
No es el pianismo beethoveniano ulterior (como el de la Fantasía opus 80) que
tan bien conoce sino algo diferente: el toque destacado y sutil a la vez. Cada
repertorio, lo mismo que cada época compositiva, requiere algo diferente y
tiene una identidad propia. <br />
Mariano Cañon es solista de oboe de
la Orquesta Sinfónica Municipal y asimismo intervino en numerosos organismos
orquestales y de cámara; Gerardo Gautin, solista de fagot de la misma
agrupación también cuenta con una extensa experiencia musical en distintos
organismos, como la Orquesta de Cámara de San Luís. José Garreffa fue solista
de corno de la Orquesta Sinfónica Municipal, miembro de la Orquesta Filarmónica
del Teatro Colón y es solista de la Sinfónica de Olavarría. Mario Romano es
solista de clarinete de la Orquesta Sinfónica Municipal; integra la Sinfónica y
el Quinteto de Vientos de Olavarría. Formaron un conjunto muy parejo y
expresivo aun en momentos muy cerrados, como el Allegro inicial del quinteto
opus 16 en el cual a la intervención del clarinete en respuesta a la frase del
piano sucede un rápido desarrollo; en el siguiente, tanto el fagot como el corno
toman ese tema rápido y cantabile en intervenciones técnicamente comprometidas.
Otro aspecto es el del timbre en sí mismo: calidez y ductilidad en
sonidos siempre destacados propio de la textura clásica, donde todo es
claramente perceptible.<br />
No son obras frecuentes pero sí muy
ricas y demandantes que pudimos apreciar en excelentes versiones.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12.0pt; text-align: justify;">
<span lang="ES"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo Balestena</span><o:p></o:p></span></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-22196677141369005532013-06-29T11:51:00.002-07:002013-06-29T11:51:37.271-07:00Diez años del ciclo de Bach a Piazzolla<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQiU9_dc_gZI1FeSGZueLmsy88xWMX3HyPBsbnxXejmh1YgYQm_NQjpcR_hxQ-r8uUJceeuP2kJhXLqVmYRpagaPeUOL6564Evu7t93hGYq2owSWHG0F9-xxZqv75i-vNjwLWBBKjYGO5G/s720/Ciclo+Bach+a+Piazzolla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQiU9_dc_gZI1FeSGZueLmsy88xWMX3HyPBsbnxXejmh1YgYQm_NQjpcR_hxQ-r8uUJceeuP2kJhXLqVmYRpagaPeUOL6564Evu7t93hGYq2owSWHG0F9-xxZqv75i-vNjwLWBBKjYGO5G/s320/Ciclo+Bach+a+Piazzolla.jpg" width="240" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El 14 de julio de cumplen diez años de conciertos
del Ciclo de Música de Cámara de Bach a Piazzolla, una iniciativa de la
pianista Graciela Alías y el violinista Aron Kemelmajer, que en base al
esfuerzo privado, consiguieron llevar adelante el ciclo muy destacado y con una
identidad propia que obtuvo el Premio Alfonsina 2009.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Obras e
intérpretes<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Calidad musical, en las obras y en los
intérpretes, valoración del espacio local y aportes de artistas con una gran
experiencia, nacionales y extranjeros, son las premisas sobre las que se apoya
el ciclo, que incluye una presentación previa de las obras. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El concierto inicial del 14 de junio de 2003 contó
con obras de autores argentinos y las
Danzas Rumanas de Bela Bartók, y el ciclo ha incluido a 5 de las 10 sonatas de
Beethoven para piano y violín y 10 de las 22 de Mozart así como la actuación de
músicos de <st1:personname productid="la Filarmnica" w:st="on">la Filarmónica</st1:personname>
de Israel –la flautista Margalit Gafni y el cellista Enrique Metz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El pianista Hugo Schuler se presentó en distintas
oportunidades con obras de Brahms; Chopin, Ginastera y Liszt así como con las
30 variaciones sobre un tema de Antón
Diabelli, de Beethoven; las variaciones Golberg y una integral del primer libro
de los Preludios y fugas del clave bien temperado, de Bach, y la mayor parte de
los preludios y fugas del libro segundo. Hizo las obras de Bach de memoria. No
son datos menores: se trata de extensos trabajos de gran profundidad,
complejidad y sutileza musical, no frecuentes en los programas de concierto, y
que demandan un gran dominio de las obras, de la técnica del instrumento y un
criterio artístico para abordarlas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Además de Graciela Alías y Arón Kemelmajer tan
intervenido en gran parte de los conciertos y son muchos los intérpretes que
como la clarinetista Amelia del Giudice; el pianista Edgardo Roffé; el
flautista Alexis Nicolet o el trío formado por la pianista Silvia Bango; el
cellista Federico Dalmacio y el clarinetista Mario Romano; la violinista Haydee
Francia; la violinista Irina Iakoleva; el violoncellista Siro Bellisomi y otros, que han intervenido en distintos
conciertos que tuvieron lugar en el Teatro Municipal Colón –los que incluyen
piano- y <st1:personname productid="la Alianza Francesa." w:st="on"><st1:personname productid="la Alianza" w:st="on">la Alianza</st1:personname> Francesa.</st1:personname><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Un viaje
por diferentes estéticas<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No sólo obras como <st1:personname productid="la Sonata" w:st="on">la Sonata</st1:personname> a Kreutzer, de
Beethoven, que interpretaron Fernando Favero y Graciela Alías; el Quinteto para
piano y cuerdas de Brahms o el quinteto <st1:personname productid="La Trucha" w:st="on">La Trucha</st1:personname> de Schubert es lo que hemos podido
apreciar, con lo que la sola experiencia de poder acceder a estos trabajos
significa, sino también otras de
Dowland, Jorge Mockert; Debussy; Häendel; Prokoffiev; Taktakishvivili; Fermina
Casanova, o los trabajos que presentó Miriam Fernández en tiorba, que implican un
descubrimiento estético.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una
nueva temporada<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No son frecuentes iniciativas así, hechas en base
al esfuerzo personal, capaces de mantenerse en el tiempo (ese accidentado
tiempo con sus problemas recurrentes, sus crisis, sus desánimos, sus desafíos)
sin concesiones en lo que hace a la exploración y defensa del espacio musical
así, en estado puro, por el solo interés de la música y de llevarla al publico
que fielmente ha seguido a este ciclo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aron Kemelmajer, en la charla que le pedí mantener
con motivo de esta fecha (y que se hizo extensa porque la música implica muchas
cosas: gustos, experiencias, períodos, nombres), llegó con una ancha carpeta
con todos los programas de los conciertos de los últimos diez años: al verlos
se tiene una idea del significado de llevar adelante algo y hacerlo tangible:
una parte importante de la vida está allí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Señaló que para el ciclo 2013, que comienza el
14 de julio a la hora 20 en el Teatro Municipal Colón, han previsto una
síntesis de lo que se ha venido haciendo. Para el 23 de agosto está prevista la
actuación del conocido trío integrado por Nicolás Favero (que tocó el concierto
para violín de Brahms con la sinfónica); Siro Bellisomi en cello y Antonio
Formaro en piano. Los conciertos proseguirán el 29 de septiembre, el 25 de
octubre –con la actuación de Marco Pierobon, el famoso trompetista; para
concluir el 8 de diciembre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Más allá de la calidad, más allá del lugar y el
reconocimiento para intérpretes y autores, se trata de generar y sostener algo
por la fe en ese algo, en su calidad, en su significado, en un mundo tan
acelerado, tan cambiante, uno donde la rapidez muchas –demasiadas veces-
desplaza a la calidad. Bach a Piazzolla es un espacio donde refugiarnos, donde
buscar y encontrar tanto las obras que amamos como aquellas que son dignas de
descubrir y aquellos intérpretes que nos permitirán enriquecernos al
escucharlos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-34069059291141331022013-05-19T19:10:00.002-07:002013-05-19T19:10:26.237-07:00Concierto inicial del ciclo del Cuarteto de Cuerdas de la Universidad Nacional de Mar del Plata<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNcq7aYzVy971jrFbO7wm-sZ-0ckwgTHHe1lDGhX0oQv_-ObsyyCb4G-8aPxsXGU3bAD5uPlyVDw2kufyiM2jxno3wavzAtBJOHLb0qfKes6bLZe9WMTkhIk7WqTPe-hu7b27L6cTzA3Jj/s1600/Cuarteto+de+cuerdas+de+la+Universidad.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNcq7aYzVy971jrFbO7wm-sZ-0ckwgTHHe1lDGhX0oQv_-ObsyyCb4G-8aPxsXGU3bAD5uPlyVDw2kufyiM2jxno3wavzAtBJOHLb0qfKes6bLZe9WMTkhIk7WqTPe-hu7b27L6cTzA3Jj/s1600/Cuarteto+de+cuerdas+de+la+Universidad.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El Cuarteto de Cuerdas de <st1:personname productid="la Universidad Nacional" w:st="on"><st1:personname productid="la Universidad" w:st="on">la Universidad</st1:personname> Nacional</st1:personname>
de Mar del Plata, integrado por Iris Ruzycki –segundo violín- Pablo Albornoz –primer
violín- Guillermo Becerra –viola- y Eduardo Falchi –cello- se presentó en el
espacio de extensión cultural de Los Gallegos Shopping el 18 de mayo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En la oportunidad abordó obras del alto barroco:
un arreglo para cuarteto de cuerdas del <b>Concierto
opus 8 nro. 1 en mi mayor La primavera</b>, de ciclo Il cimento dell’ amonia e
dell´ inventione (la lucha entre la armonía –razón- y la invención
–imaginación- ) de Antonio Vivaldi (1678-1741) . En su oportunidad, en el ciclo
de extensión cultural de Los Gallegos Shopping, el profesor Carlos Novotny
abordó –en dos entregas- el análisis integral y la historia de esta obra
programática, que sigue musicalmente el desarrollo de cuatro sonetos, en uno de
los rasgos del período del alto barroco: la claridad de sentido del discurso
musical que expone un mensaje. Quizás las más conocida de las obras del
compositor veneciano, es especialmente exigente en el violín solista, dado el
lenguaje del período en que a la sección confiada a los instrumentos
fundamentales –el bajo continuo, generalmente integrado por la viola da gamba,
tiorba y cembalo- se destacaba la de los instrumento ornamentales, generalmente
el violín o la flauta, en una que no
sufre grandes transformaciones en el arreglo para cuarteto de cuerdas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El programa siguió con el <b>Aria de la suite nro. 3. de Johann Sebastián Bach </b>(1685-1750)
también muy conocida, que en su sentido de delicadeza e introspección, requiere
una particular dulzura en la inflexión sonora.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Le sucedió el <b>Cuarteto,
nro 4 en do mayor, K. 157 de Wolfgang Amadeus Mozart</b> (1756-1791), obra
temprana del compositor que se desarrolla en tres movimientos y que claramente
perteneciente al periodo clásico. Sin la complejidad de sus planteos
posteriores –en los que adhiere a la estética del movimiento <i>sturm und drang</i>-, es una obra breve
festiva pero de gran belleza que requiere el equilibrio y claridad que siempre
demanda la música de Mozart. No es casual que el cuarteto de cuerdas se haya
consolidado durante el clasicismo como una de las formaciones camarísticas más
importantes que adquirió en el periodo tanto un papel de experimentación como
de introspección.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La segunda parte estuvo dedicada a Astor Piazzolla
(1921-1992) con <b>Pedro y Pedro</b>; <b>Invierno Porteño</b> y <b>Tango Ballet</b>. A diferencia de las anteriores, esta última fue
escrita por el compositor para cuarteto de cuerdas. Aquello que marca al
compositor con su sello único –frases recurrentes que funcionan como motivos
que dan unidad, cambios rítmicos y una armonía que parece tender a la
disonancia en algunos pasajes- y lo hace reconocible de algún modo encubre a la
complejidad de una textura que requiere un ensamblaje muy justo entre las
voces, mucha claridad y una rítmica muy cambiante y precisa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El cuarteto de cuerdas de <st1:personname productid="la Universidad" w:st="on">la Universidad</st1:personname> es una de
las formaciones decanas en la ciudad, ya que lleva 36 años de actividad y ha
abordado un amplio repertorio. En su plan de trabajo actual anunció futura la
presentación de compositores argentinos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">http://opus155musicadecamara.blogspot.com<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-10654957219581909692012-12-16T04:34:00.001-08:002012-12-16T04:36:37.280-08:00<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUuSUv4rMnLVA3jpFJCW7O0l2XvqdZdVd1waYZH4kFSLxSRiyfqtozrd_7n_mlC4Nsvc3WtaEu_x9OqC0KjifHOTO8FXfdN07vWrVXlrX27mZPiYGH7H7EppeT5CoGqDmcDJqf_Kbs5-hn/s1600/hans-dieter-bauer.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUuSUv4rMnLVA3jpFJCW7O0l2XvqdZdVd1waYZH4kFSLxSRiyfqtozrd_7n_mlC4Nsvc3WtaEu_x9OqC0KjifHOTO8FXfdN07vWrVXlrX27mZPiYGH7H7EppeT5CoGqDmcDJqf_Kbs5-hn/s320/hans-dieter-bauer.gif" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Un
programa de obras exigentes y representativas <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El pianista Hans-Dieter Bauer brindó un concierto
en el Teatro Municipal Colón el 14 de diciembre. Nacido en Berlín en 1937,
actualmente reside en Coburg, Bavaria y ha tenido una extensa carrera como
solista, principalmente en Europa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En esta oportunidad abordó un extenso programa que
significó un recorrido estético por diversos lenguajes del instrumento, en
trabajos que representan esos lenguajes en sus formas quizás más
puras. Lo hizo con una gran profesionalidad, de memoria y de manera muy segura,
sin pausas, salvo la extensa entre la primera y segunda parte, entre una obra y otra. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Tanto en <st1:personname productid="la Sonata" w:st="on">la <b>Sonata</b></st1:personname><b> en fa mayor de Hydn</b> como en <st1:personname productid="la K." w:st="on">la <b>K.</b></st1:personname><b> 545, nro. 16 de Mozart</b> (con ese conocido y magistral comienzo: el planteo
de un primer tema introductorio sucedido de rápidas escalas que contrastan con
él) la elección de tempo y el fraseo –su acentuación y falta de fluidez en un
discurso, que más que las articulaciones, parecía centrarse en cada sonido-
restó a esas obras –principalmente en los allegros- el sentido de brillo,
espontaneidad y proporción. Acentos y fraseos deben moverse
en un equilibrio que permita la continuidad entre el sonido anterior –y su
resonancia, pensado como estaba para piano sin pedales- y la sensación de que
el que le sucede se forma suavemente dentro de esa estela sonora. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Similares fueron los aspectos
interpretativos del movimiento presto de <st1:personname productid="la Sonata" w:st="on">la <b>Sonata</b></st1:personname><b> en Do sostenido menor, opus. 27 nro. 14
(Claro de Luna) de Beethoven</b>. El ataque del presto, en ese vibrante pasaje dado
por la reiteración de una célula temática y su respuesta, descansa en gran
medida en la relación entre continuidad y tempo: si el tempo se ralentiza la
articulación pierde vigor y el motivo energía. Lo mismo en los acentos, que
surgen claramente del propio motivo en sí y que el intérprete debe respetar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Muy diferentes fueron las cosas en
las <b>Tres piezas para piano</b> del
compositor checo <b>Klement Slaviký</b> (1910-1999) que cerró la primera parte: un
pianismo percusivo, con una base rítmica y elementos en sí sencillos pero de
gran complejidad en el tratamiento de las distintas combinaciones de ese motivo
inicial, en un lenguaje en que los acordes son tratados en distintos
intervalos, en una armonía cambiante, con pasajes de incomodidad y complejidad
para la interpretación (manos cruzadas o muy próximas) , dentro del marco de
consonancia, con sonidos enérgicos y destacados pero no disonantes. Una obra de
gran impacto y de grandes requerimientos: por lo precisa, la rapidez en la
inflexión del sonido, la continuidad y
el permanente juego entre el ataque de la nota y su resonancia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><st1:personname productid="la Sonata" w:st="on">La <b>Sonata</b></st1:personname><b> en sol
menor opus 22 de Schumann</b> abrió
la segunda parte. Viéndola interpretar se hacen evidentes sus exigencias: ya en
ese comienzo, un motivo que surge luego de un primer acorde, en forma
interrogativa que en su desarrollo aparece muy vinculado a un acompañamiento
que no se limita a acompañar sino que en sí mismo implica elementos que hacen
al desarrollo, desde lo armónico, de ese tema recurrente. Energía, sí, pero
también muchos matices y un sentido del todo: si el intérprete focaliza en los
pasajes de bravura puede dejar puntos oscuros en la resolución de otros
momentos. Esta fue una versión absolutamente clara en ese sentido. Hans- Dieter
Bauer dejó unos cuantos segundos ese pedal que prolonga la última nota de ese
movimiento y que parece condensarlo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El programa concluyó con <b>Dante-Sonate, de Franz Liszt</b>, (de Años de Peregrinaje: 2do. Año:
Italia) que, partir de ese motivo
inicial, explora y explota todas las sonoridades de un piano que tan pronto se
expande en todo su registro y en la intensidad, o se contrae en el planteo de
ese elemento (que se metamorfosea en el curso de toda la obra) con una gran
dulzura. La exigencia expresiva es muy grande en estas gradaciones dinámicas:
un elemento central cambia y es expuesto de muy distintos modos pero todos
conforman una unidad. Tuvimos una versión de un control absoluto de estos
aspectos de una obra tan rica como virtuosa. No se trata sólo de pasajes de bravura,
y de plantearlos en forma fluida y expresiva, sino de lograr una suavidad y una
delicadeza capaz de plasmar el credo romántico por un lado, y al piano y sus
posibilidades por otro. Requiere un gran dominio y sentido estético.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hans-Dieter Bauer, con una presencia de cálida
sencillez planteo un programa muy pensado en el orden de las obras,
paradigmáticas y exigentes, sin concesiones a la facilidad, a la longitud ni al
efectismo, con una total entrega a una música que pareció expandirse a medida
que transcurría el recital.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El programa de mano, incompleto en cuanto a la
información e identificación correcta de las obras –número y opus, en el caso
de la de Hydn, por ejemplo- no brindó demasiados datos sobre las obras del
repertorio de un pianista de esta profesionalidad que destacó en las obras del
período romántico y post romántico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.d944musicasinfonica.blogspot.com/">http://www.d944musicasinfonica.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-91689605313567820582012-08-31T19:39:00.002-07:002012-08-31T19:39:32.083-07:00<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkgsFeG3YODRErcj92AsQQ_qD0aIYXrCzCEMkwh5zDPTQzGK7qzJH95vAn_ZrCvFcesx2qFT7z0IgRf3NYz1P3yOdlZEQm3vlpECjB_9XryteMH8gQTGupDNnKwx_I_7ulVU6A2hTOp-Rv/s1600/Joyce+DiDonato.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="203" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkgsFeG3YODRErcj92AsQQ_qD0aIYXrCzCEMkwh5zDPTQzGK7qzJH95vAn_ZrCvFcesx2qFT7z0IgRf3NYz1P3yOdlZEQm3vlpECjB_9XryteMH8gQTGupDNnKwx_I_7ulVU6A2hTOp-Rv/s320/Joyce+DiDonato.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Garamond;">Joyce Di
Donato y David Zobel en el ciclo del Mozarteum<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">El 27 y 29 de agosto se presentaron, en el ciclo
de concierto de la temporada 2012 del Mozarteum, la mezzosoprano Joyce DiDonato
y el pianista David Zobel, en el Teatro Colón de Buenos Aires.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">Las <b>Canciones
clásicas españolas </b>de Fernando Jamandreu Obradors (1897-1945) abrieron un
programa ecléctico –dedicado a arias de ópera y canciones- que permiten
apreciar la riqueza de un acervo poco conocido del cual forman parte las
canciones del autor catalán. Requieren ductilidad en el timbre, claridad en los
matices y un claro sentido rítmico en el piano. Obradors escribió sus cuatro
libros de canciones hacia 1920. Responden así al rico nacionalismo español. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">Prosiguió con el aria <b>Oh
sleep, why dost thou leave me, </b>de la ópera <b>Semele</b> para proseguir con “Doppo notte, atra e funesta”, aria de
Ariodante de Georg. F. Händel (1685-1759) que implican pasajes de extensos
melismas y registros agudos para la cuerda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">En <st1:personname productid="la Trilog■a Boaumarchais" w:st="on"><st1:personname productid="la Trilog■a" w:st="on">la Trilogía</st1:personname> Boaumarchais</st1:personname>
abordó las arias <b>Voy che sapete che cosa
è amor</b>, aria de Cherubino, <b>Deh,
vieni, non tardar</b>, de <b>Las Bodas de
Fígaro</b>, de Mozart y <b>Una voce poco fa</b>, aria de Rosina, de <b>El Barbero de Sevilla</b>, de Rossini, que
cerraron una primera parte en que se hizo evidente la versatilidad que le permitió abordar obras
tan diferentes en las cuales mantuvo siempre una claridad absoluta y una
emisión que le permitió llenar la enorme sala del Teatro Colón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">Si bien es con su rol de Rosina, en La
cenerentola, de Rosini en el Metropolitan Opera House o el de Adalgisa, en
Norma, en el Festival de Salzburgo como consolidó su carrera internacional, su
interpretación de las <b>Canciones en
dialecto veneciano</b> de Reynaldo Hahn (1874-1947), así como <b>O del mio amato ben</b> de Stefano Donaudy
(1879-1925) y <st1:personname productid="La Spagnola" w:st="on"><b>La Spagnola</b></st1:personname>, de
Vincenzo Di Chiara (1880-1937) hablan no sólo de su versatilidad sino de la
belleza de obras muy poco conocidas. Se destaca en ellas la dulzura, la
musicalidad y la pintura de caracteres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">También interpretó en la segunda parte <b>Assisa a pie d´un salice</b>, aria de
Desdémona, de la Ópera Otelo, de Rossini.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">A lo largo de las dos horas de su recital, explicó
en italiano las particularidades de cada obra. En medio de <i>Una voce poco fa</i> sonó reiteradamente una alarma, no obstante lo
cual continuó la interpretación hasta que parte del público comenzó a abandonar
la sala; pero retomaron en el mismo lugar cuando nada sucedió. Luego del
intermedio anunció que sólo se trataba de un inconveniente técnico y que si
volvía a presentarse, no interrumpirían la ejecución.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Garamond;">David
Zobel </span></b><span style="font-family: Garamond;">ha acompañado a Joyce
DiDonato en la mayor parte de sus presentaciones. Obtuvo su Master en música
como pianista acompañante y ha tenido una destacada actuación como repertorista
con el Théatre du Chatelet, participando en las distintas producciones bajo la
dirección de figuras como Christoph von
Donhàyi, Christoph Eschenbach, John Elliot Gardiner y otros. Es un pianista de
una gran solidez y versatilidad que abordó obras de periodos muy diferentes,
con distintas exigencias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">Entre las obras que ejecutaron fuera de programa
de cuenta <st1:personname productid="la Canción" w:st="on">la <b>Canción</b></st1:personname><b> del árbol del Olvido</b>, de Alberto
Ginastera, en una interpretación que destacó por su musicalidad, en un tempo
lento que destacó la dulzura de tan bella obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">Joyce DiDonato tiene un gran manejo expresivo,
espontaneidad en su presencia escénica y
una técnica que le permite interpretar obras de gran exigencia, muy diferentes
entre sí, si perder potencia, claridad y ductilidad. Destacó su perfecta dicción
del español. Forma con David Zobel, un
conjunto amalgamado y preciso; eñigieron un balance entre grandes arias de
ópera y canciones que merecerían estar más presentes en el repertorio lírico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;"> <b> <o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<span style="font-family: Garamond; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: JA;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a></span>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-54105549095317805322012-08-15T07:02:00.001-07:002012-08-15T07:02:38.604-07:00<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Garamond;">Los límites
de la delicadeza<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: Garamond;">En el concierto inicial del octavo año del ciclo
de Bach a Piazzolla, el 22 de julio en el Teatro Municipal Colón, contó con las
actuaciones de Silvia Bango en piano; Federico Dalmacio en cello y Mario Romano
en clarinete.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<st1:personname productid="La Eleg■a" w:st="on"><b><span style="font-family: Garamond;">La Elegía</span></b></st1:personname><b><span style="font-family: Garamond;"> opus 24
de Gabriel Fauré</span></b><span style="font-family: Garamond;"> abrió el
programa. Música hecha de despojamiento, delicadeza y renuncia (a la
exuberancia, al planteo formal o al efecto), requiere sin embargo una sutileza
de fraseo en su discurrir y una inflexión justa. Federico Dalmacio es solista
de cello de <st1:personname productid="la Orquesta Sinfnica" w:st="on"><st1:personname productid="la Orquesta" w:st="on">la Orquesta</st1:personname> Sinfónica</st1:personname>
e interviene en otros organismos, como <st1:personname productid="la Orquesta" w:st="on">la Orquesta</st1:personname> de la Ópera y <st1:personname productid="la Sinfnica" w:st="on">la Sinfónica</st1:personname> de Olavaria.
Logró un clima ya desde la frase inicial que conduce a una obra muy querida
para su autor. Silvia Bango, pianista de amplia trayectoria, que ha intervenido
como solista en las Variaciones Sinfónicas de César Franck, brindó el marco que
que confiere el piano a los requerimientos del cello: acompañarlo, plantear el
clima a sus frases: las preanuncia y les confiere color al terminar en lo que
no es un simple acompañamiento. Obra de juventud –en su primera versión- es de
una nostalgia elegante, la de alguien que afirmó “yo he llevado muy lejos las
barreras de la delicadeza”; en lo que es un postulado: música hecha de un modo
de decir que requiere un mínimo de forma musical.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<b><span style="font-family: Garamond;">Gran dúo
concertante opus 48 de Carl Maria von Weber <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> Muy distintos son los requerimientos
del gran dúo concertante de Weber, tanto en la rapidez como en la claridad y
musicalidad de frases, por ejemplo en el andante central, elementos sin los
cuales la obra se reduciría a su planteo virtuosístico. Aunque no mucho, va más
allá de esos postulados, en una textura muy cerrada donde debe haber un claro
balance entre el tempo y la articulación de frases siempre en registros tan
claros que toda elección que no sea la justa afectaría al conjunto. No es sólo
la rapidez, sino también el acento, pero los tiempos de decisión para saber que
acentuar y cómo son ciertamente breves y riesgosos y la precisión absoluta entre
los dos instrumentos. Mario Romano hizo ya como solista el concierto nro. 2 de
Weber, y se mueve con una absoluta libertad en una obra cuyo rondó por ejemplo
requiere, en su sección central, rápidos e intrincados pasajes que pasan luego
al piano, en una frase –la inicial- que no debe perder nunca ese carácter
cristalino y de divertimento. Otro pasaje de gran dificultad es el del final
del rondó. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> <b>Trío
opus 114 de Johannes Brahms <o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-family: Garamond;"> </span></b><span style="font-family: Garamond;">A la escritura de la cuarta sinfonía sobrevino una
etapa diferente, la de una música de cámara poética, madura e introspectiva. Es
en esa etapa en la que Brahms conoció, en <st1:metricconverter productid="1891, a" w:st="on">1891, a</st1:metricconverter> Richard von
Meinigen, un virtuoso clarinetista que influyó sus obras dedicadas a un
instrumento del que tomó la sonoridad más plácida y dulce. El virtuoso del
piano concibió así este trío en el cual reserva al cello y al clarinete el
planteo de la obra y la presentación de sus temas, con la intervención de un
piano siempre envolvente y en una doble función expresiva y de soporte. Es muy
estrecho y sutil el diálogo, particularmente entre el cello –que enuncia el
bello tema inicial- y el clarinete en un conjunto que sonó muy armado, tanto en
la precisión de las intervenciones como en el timbre. No es fácil ese resultado
en instrumentos como el cello y el clarinete.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> Obra tan precisa como sutil, uno de
sus mejores momentos quizás sea el adagio, una forma ternaria A-B-A en la que
el clarinete presenta el tema mientras el piano y el cello lo subrayan
armónicamente; luego va tomándolo el cello, mientras el clarinete pasa a
subrayar la intervención de la cuerda; un lenguaje que preanuncia al quinteto
opus 115, obra también profunda y madura. El tema es variado –en la sección
central- por los instrumentos, como lo será en el quinteto, en lo que parecen
cambios tonales y modales. Es muy bella –quizás el mejor momento de la obra- la
enunciación del clarinete luego de la sección central: con más lentitud, notas
más prolongadas y, al parecer, en otra tonalidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> Silvia
Bango, Federico Dalmacio y Mario Romano obtuvieron una versión de muchos
matices, de sutileza en la concepción sonora y de entendimiento en un diálogo
al que siempre pudieron darle las inflexiones justas, tanto en el tempo de
andantino (como el del quinteto, es delicado en esa elección), y el enérgico
Allegro final cuyo diálogo se hace rápido, en notas de corta duración y en una
gradación de intensidades siempre cambiante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> También a Brahms cabe la frase de
Gabriel Fauré de haber llevado muy lejos la barrera de la delicadeza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;">Eduardo
Balestena<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Garamond;"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-25134362621603604882011-10-10T08:27:00.000-07:002011-10-10T11:58:53.999-07:00La música pura<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitYfWS3tM_R4fy2aEvHtPumKCbZ8PgGyko3XO1_G6v9APaqW1X09N0Tj_9HYYvIq5nR3BqJJHH7VWOyCqSZIt28aqX-yvyEPcg9KcffZqONiNzoVG2-5PuHEmcyUbPIPj99j3zpJm4-CwW/s1600/brahms.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5661886047491312466" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 343px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitYfWS3tM_R4fy2aEvHtPumKCbZ8PgGyko3XO1_G6v9APaqW1X09N0Tj_9HYYvIq5nR3BqJJHH7VWOyCqSZIt28aqX-yvyEPcg9KcffZqONiNzoVG2-5PuHEmcyUbPIPj99j3zpJm4-CwW/s400/brahms.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div>El concierto del 9 de octubre del ciclo de Bach a Piazzolla contó con las actuaciones de Haydeé Francia y Aron Kemelmajer (violines); Irina Iacovleva (viola); Graciela Alías (piano) y Siro Bellisomi (cello). En el programa fueron interpretados el cuarteto opus 18 nro. 1 de Beethoven y el Quinteto para piano y cuerdas opus 34 de Johannes Brahms.<br /><strong>Cuarteto de cuerdas opus 18 no. 1, de Ludwig van Beethoven</strong>: Esta obra, que pese a responder a un ideal clásico está dada en una marcada libertad de recursos, permitió apreciar una formación muy homogénea en técnica y expresividad, en un cuarteto en donde tanto la articulación de las voces como el aspecto dinámico implican un gran requerimiento. Por ejemplo el rápido tema inicial del último movimiento que, tras su enunciación, crea un clima de expectativa que se resuelve en episodios que conducen nuevamente al motivo inicial.<br /><strong>Quinteto opus 34 para piano y cuerdas de Johannes Brahms</strong>: La versión que se obtuvo en este concierto (tan diferente por ejemplo a la de los miembros del Berlin Philarmonic Octet) optó por apoyarse en lo compacto de la forma, en la energía de su formulación general de la obra y en su fuerza pero mostró en todo momento su claridad, aun cuando el andante un poco adagio no haya mostrado la dulzura y delicadeza de los movimientos lentos de Bramhs, en un volumen algo alto en los dos violines y a un tempo algo rápido.<br />Es, evidentemente, una obra maestra. Su versión final no delata las alternativas de su génesis (nació tempranamente como un quinteto para arcos, convirtiéndose luego en una sonata para dos pianos –opus 34b- para adquirir, recién en 1864, es decir, en plena madurez, su forma actual). En ella Brahms, como en sus obras de cámara previas a las sinfonías, parece fundar una estética donde el material temático carece de inflexiones subjetivas y de un propósito funcional: no importa la función que un motivo cumpla en el todo, entraña belleza, detalle y desarrollo en sí mismo y es resuelto con autonomía.<br />Entraña dos dificultades. Una es técnica: lograr el ensamblaje de elementos afines temáticamente y en donde la división en voces es esencial. Otra dificultad es hacer que esa técnica permita reflejar la personalidad de ese sonido. Hacer que Brahms suene, inconfundiblemente, como Brahms.<br />Constructivamente, es una formulación muy libre. El último movimiento, por ejemplo, en el que el motivo inicial regresa, modificado y motiva desarrollos surgidos a partir de sus elementos, sin que acertemos a determinar si se trata de una forma rondó o un tema con variaciones.<br />Se trata de muy reconocidos intérpretes y manejo de un trabajo tan denso y refinado, su amalgama y el modo en que pudieron plasmarlo: a partir de una concepción propia y de conocimiento profundo de la obra permitieron ese resultado.<br /><br />Eduardo Balestena<br /><a href="http://www.d944musicasinfonica.blogspot.com/">http://www.d944musicasinfonica.blogspot.com/</a><br /></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-36198461294952556942011-06-20T19:17:00.000-07:002011-06-20T19:24:03.998-07:00Un programa ecléctico<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJbgqXRRmEsthNtVzJUUOz0rk0f_s8CU0cyA_oiOstcWbhYXLruESvfh8kuCzfece6WmA1__aGft9rmlr7x_rDzGppnqc4y25o8mpz-8OJ0Tg2tBcZCbwkyEURTQfYg7JhCA5XPGTzPt89/s1600/mozart.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;width: 307px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJbgqXRRmEsthNtVzJUUOz0rk0f_s8CU0cyA_oiOstcWbhYXLruESvfh8kuCzfece6WmA1__aGft9rmlr7x_rDzGppnqc4y25o8mpz-8OJ0Tg2tBcZCbwkyEURTQfYg7JhCA5XPGTzPt89/s400/mozart.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5620492884767745506" /></a><br /><p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span class="Apple-style-span" >El Quinteto de Vientos de Mar del Plata retomó su actividad en el concierto del 18 de junio, en el Teatro Colón, oportunidad en la que ese presentó con la pianista Graciela Alías.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span >Formado por Mariano Cañón (oboe); Gerardo Gautin (fagot); José Garreffa (corno); Federico Gidoni (flauta) y Mario Romano (clarinete), solistas de <st1:personname productid="la Orquesta Sinfnica" st="on"><st1:personname productid="la Orquesta" st="on">la Orquesta</st1:personname> Sinfónica</st1:personname> Municipal, permitió apreciar, en las obras elegidas, la posibilidad sonora de conjunto de timbres en obras con exigencias expresivas muy diferentes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span >En el programa fueron interpretadas <st1:personname productid="la Serenata" st="on">la <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Serenata</b></st1:personname>, de <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Carlos Franzetti</b>, compositor argentino, residente en Estados Unidos, autor de música de películas (como la recordada “La película del Rey”, de Carlos Sorín), jazzman, a la vez autor de sinfonías. Le sucedió <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Aires tropicales</b>, del compositor cubano <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Paquito D´rivera. </b>Ambas plantean un lenguaje que explora la riqueza de acentos, elementos rítmicos y melodías en un marco de irregularidad y permanente cambio que implica una exigencia en la precisión. Acentos que se desplazan, alternancias, pasajes rápidos, hacen que resulte un género difícil de abordar y que requiere un gran trabajo previo. En el caso de la obra de D´rivera, se trata de siete movimientos, que abarcan diferentes ritmos (son; habanera; vals venezolano, entre otros) que exponen a los instrumentos en diferentes aspectos expresivos. Ello nos plantea tanto las posibilidades de expresión de timbres en función muy diferente a la que tienen en la orquesta y en el repertorio tradicional, y la existencia de una literatura particularmente atractiva, en lo que hace a los autores y a la formación en sí.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span >En la segunda parte fue interpretado el <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Quinteto para piano y cuarteto de vientos</b> (clarinete, oboe, fagot y corno)<span style="mso-spacerun:yes"> </span>K. 452 de <b style="mso-bidi-font-weight:normal">Mozart</b>, con la pianista Graciela Alías, una intérprete que ha abordado numerosas sonatas y conciertos de Mozart. El compositor no deparó roles subordinados a los instrumentos, que discurren en una relación de paridad, ya sea en la construcción armónica o en las alternancias en la exposición de la melodía. Del piano exige un sonido a la vez delicado y neto y, como en todas las obras de Mozart, todo es visible, expuesto y claro. Exige además en las dinámicas (crescendos/decrescendos) y en la amalgama de matices.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span >Mariano Cañon; Gerardo Gautín; José Garreffa y Mario Romano intervinieron en la sinfonía concertante en mi bemol, de Mozart, hace muy poco. Esta experiencia y el trabajo previo, tanto en el anterior ciclo del quinteto como en el manejo de estas obras fueron evidentes en un sonido puro, amalgamado, en tempo, matices e intensidad que habla de su experiencia como solistas, llevada al lenguaje de cámara. Es positivo llevar esta experiencia al abordaje de obras poco conocidas que permitan apreciar tanto la riqueza del elemento popular como lo inhabitual (como lo es un piano con un cuarteto de instrumentos de viento) en el repertorio clásico. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span ><span style="mso-spacerun:yes"> </span><span style="mso-spacerun:yes"> </span><span style="mso-spacerun:yes"> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt"><span ><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><span class="Apple-style-span" >Eduardo Balestena</span><span class="Apple-style-span" ><o:p></o:p></span></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span style="font-family:Garamond"><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com</a><o:p></o:p></span></p>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-60117133099294263892011-01-27T18:16:00.000-08:002011-01-27T18:20:35.047-08:00Distintos lenguajes de músicos argentinos<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-qdBofVLnDSxpKP1W6sJiRxobJCBboz-dCf-WyyZIRLScYpsi7FaNYzJbnndfp7rHfHcH8g1G6K4ai04xpndLgtjEliEzO0J-A_4-V0D5vB1Mh-1uHfkUbfzMwFT_gXFDIhHu08d7ZrVd/s1600/guastavino.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5567055930733141602" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 250px; CURSOR: hand; HEIGHT: 385px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-qdBofVLnDSxpKP1W6sJiRxobJCBboz-dCf-WyyZIRLScYpsi7FaNYzJbnndfp7rHfHcH8g1G6K4ai04xpndLgtjEliEzO0J-A_4-V0D5vB1Mh-1uHfkUbfzMwFT_gXFDIhHu08d7ZrVd/s400/guastavino.jpg" border="0" /></a><br /><div>El concierto del 24 de enero, del ciclo De Bach a Piazzolla, contó con la interpretación de Graciela Alías en piano, Gerardo Gautín en fagot y Aron Kemelmajer en violín.<br />En un programa dedicado de manera integral a compositores argentinos se hizo evidente que en distintos lenguajes y estilos hay elementos comunes: uno de ellos es la raíz popular, otro, el uso de timbres y recursos rítmicos y melódicos vinculados a rasgos de una identidad musical signada por el vínculo entre la música académica y la rica vertiente popular. Ello pide del intérprete algo propio, en su técnica, en su expresividad y en su experiencia de hacer música.<br /><strong>Presencias nro. 7 de Carlos Guastavino</strong> (Santa Fe, 1912-2000) muestra el lenguaje evocativo del compositor del nacionalismo musical argentino. La línea melódica serena, la renuncia a todo efecto y el fuerte melos folklórico del autor de <em>Se equivocó la paloma</em> está presente en el tema inicial del violín. Un tema sencillo que se reitera hasta el siguiente, presentado luego de la intervención del piano. El violín va cerrándolo en el dialogo con el piano, sin artificio alguno. Una de las obras del compositor, retratos de jóvenes pianistas, de los años 60, estuvo dedicada a Fermina Casanova, autora de <strong>Tres caprichos para violín y piano</strong>, ya abordada en el ciclo y que, con un lenguaje absolutamente diferente, dentro de la tonalidad, con una fuerte influencia del jazz, asume al capriccio, con su uso de elementos como la fuga, como una forma festiva y de exploración. El carácter abstracto no la hace sin embargo fría, en gran parte por el trabajo sobre el elemento rítmico y elementos como el uso glissando, el recorrido del violín por los distintos registros y el permanente cambio de dinámicas. Fermina Casanova es una muy reconocida compositora y docente, formadora de muchos músicos y trabaja desde una solidez de los elementos teóricos pero siempre subordinados a un sentido del todo que redunda en una especial calidez sonora.<br /><strong>Jorge Mockert</strong>, (Entre Ríos1958-2008) fue un compositor muy destacado, de una amplia trayectoria y una extensa actividad docente, escribió la <strong>Suite Argentina para jugar con Andrea</strong>, para fagot y piano, para Andrea Merenzon. Ha sido interpretada en distintos arreglos, con percusión, o con varios fagotes. Se compone de: Candombe de la solapa; del barro a la ciudad; chamamerenzon; ojo de tormenta y chacandrea. Es decir que se trata de un recorrido por distintos ritmos populares. Es una obra muy rica y de muchas dificultades, donde llama la atención el uso del fagot en las especies musicales elegidas, su timbre, su presencia con esos acentos y la exigencia permanente. Son todos ritmos rápidos, particularmente el chamamé y muy demandantes, con un carácter de constante improvisación que exige al instrumento en una amplia gama de registros. El diálogo con el piano ralentiza el discurso musical, lo abre. También implica un dialogo cerrado y muy preciso. No se trata de que las notas caigan en su sitio sino de que al hacerlo puedan rescatar esa expresividad y espontaneidad de un discurso que permanentemente fluye, de manera indetenible.<br /><strong>Mario Herrerias</strong>, músico dedicado en gran medida al jazz, es autor de <strong>Niebla y Cemento</strong>, trío para fagot, violín y piano en que predominan los elementos del tango a partir del trabajo con el tema inicial, en ricas alternancias y cambios permanentes de intensidad. Pasa por un breve episodio central lento hasta una recapitulación sobre el tema inicial. El programa finalizó con <strong>La muerte del Angel</strong>, bellísima obra de <strong>Astor Piazzolla</strong> (Buenos Aires, 1921-1992).<br />Graciela Alías y Aron Kemelmajer son intérpretes muy reconocidos, con una vasta experiencia en música de cámara y sinfónica. En esta ocasión cabe agregar que fue destacable el fraseo del violín y su expresividad, particularmente en la obra de Fermina Casanova –precisamente dedicada a estos intérpretes- que otras manos hubiera podido ser quizás fría y técnica. Gerardo Gautin, fagot solista de la Sinfónica Municipal, ha formado parte de distintos grupos de cámara y es otro intérprete reconocido. La obra de Mockert es un verdadero tour de force para el fagot, siempre trabajando al límite, en el fiato, en el fraseo, en el diálogo con el piano, en la exploración de las sonoridades del instrumento, en el elemento expresivo.<br />Sorprenden los diferentes rumbos de compositores argentinos, coetáneos, o contemporáneos. En un caso hacia lo abstracto, en otros hacia lo tradicional. La música argentina parece poner siempre estos elementos en un primer plano cuando se cuenta con los intérpretes que puedan hacerla posible.<br /><br /><br />Eduardo Balestena<br /><a href="http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://www.opus115musicadecamara.blogspot.com/</a></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-10616260973824370942010-11-23T17:00:00.000-08:002010-11-23T17:04:11.419-08:00Negro spirituals en la catedral<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEictxD80svoi-klVM15Ln6ElIq7ScjdDbKy9qQlyhn9QKT7ho4hF43RB4P67togv8VmxSmeunOVUijRJQtKWWi25XIrogTTW-zmIGk9f_ZkPnNCcZjhHDwqJ9fR1O_9cQERVj1auHgm9rMm/s1600/spirituals.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5542915755937696242" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 268px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEictxD80svoi-klVM15Ln6ElIq7ScjdDbKy9qQlyhn9QKT7ho4hF43RB4P67togv8VmxSmeunOVUijRJQtKWWi25XIrogTTW-zmIGk9f_ZkPnNCcZjhHDwqJ9fR1O_9cQERVj1auHgm9rMm/s400/spirituals.jpg" border="0" /></a><br /><div>Los solistas Fernanda Pérez, mezzosoprano, y Guillermo Fertitta, bajo, se presentaron en la catedral el 21 de noviembre, con el Coral Carmina y el pianista Horacio Soria, bajo la dirección del maestro Horacio Lanci.<br /><strong><em>Un Dios extraño, un país extraño</em></strong><br />Cuando Horacio Lanci abordó el negro spiritual, en su programas de la serie U<em>n viaje al interior de la música</em>, lo caracterizó como la música de los esclavos negros en Estados Unidos: “un pueblo extraño, en un país extraño, iniciado en el culto de un Dios, en principio extraño, que asimilaría sin embargo en poco tiempo y de manera realmente conmovedora, la esencia del mensaje cristiano”. Esta música de promesa en una redención eterna produjo una influencia muy honda, no sólo como antecedente del jazz, sino también en compositores como Maurice Ravel e Igor Stravinsky. Musicalmente, el uso de una emisión (nasal y abierta) muy diferente a la de la tradición europea, el ostinato, la síncopa y el contratiempo, pusieron en primer plano el elemento rítmico. Todo ello confluye en una amalgama peculiar en las voces, dada en esa particularidad de un canto que cambia permanentemente en sus dinámicas y alturas, como si se elevara o condujera a un lugar: el spiritual, aunque no sea cantado por personas de color, con su voz y su entonación particulares, es diferente a todo.<br /><strong><em>El programa</em></strong><br />Fueron interpretadas diez obras, algunas con intervención solista. Varias son sus particularidades: el sentido de un canto interior y a la vez colectivo donde las voces nunca se funden. Los timbres, en el caso del coro, son claramente diferenciables, aun en las rápidas secciones de crescendos o decrescendos, un tejido que en la intensidad del propio sentimiento del canto no revela lo complejo de su textura. En los solistas, son intervenciones con notas ligadas, ascendentes y descendentes en un tejido con un permanente cambio, o en otros casos, hecho de detenimiento, como el famoso <em>Swing low, swing chariot</em> (bajo). En <em>Ol´man river</em> el bajo permanece en un el registro más grave, en notas lentas y profundas. En cambio, en <em>My god is a rock</em> su intervención es muy rápida, junto con el coro, con una serie de contrapuntos, escritos en síncopa, que cambia más adelante para llegar a una mayor complejidad de contrapunto entre el coro y el solista, que va creciendo en tesitura hasta cantar sobre el pasaje y culminar con un fa agudo que debe sostener durante cuatro negras.<br />Un factor importante está dado por las condiciones acústicas de la catedral, en cuya altura los cantantes no pueden escuchar correr sus voces y deben proyectarlas sin saber cuál es el límite en que los piano dejan de ser audibles. En el coro, implica el marcar más el fraseo y eventualmente la pérdida de algunos matices.<br />Fernanda Pérez es marplatense, vive desde hace años en Tucumán y ha cantado estudiado con la maestra Lucía Boero y el maestro Bruno D´astoli y fue dirigida, entre otros, por los maestros Guillermo Brizzio y Luís Gorelik. Mostró una ductilidad que la llevó de esos piano, tan expresivos, a los registros más altos, con una gran potencia, claridad de fraseo y pronunciación.<br />Guillermo Fertitta ha cantado bajo la dirección de la maestra Susana Frangi y llevado a cabo numerosas presentaciones con repertorio operístico. Alumno de Omar Carrión, intervino en el rol de Sparafucile, en Rigoletto. A su característica de potencia y profundidad debió sumar las exigencias de un fraseo rápido y muy justo.<br />El Carmina pudo no sólo abordar el canto a capella, sino una tesitura que, al contrario de la música coral del repertorio clásico, parece pedir libertad, movimiento a la vez que implica cantar en un idioma distinto, como el inglés, en un género que trabaja en un permanente cambio, con un lenguaje que usa el glissando, es decir, el deslizarse de una nota hacia otra, el portamento: el transporte de una a otra nota con un efecto de ahuecamiento, que exige ser abordado sólo a partir de liberar una energía y conjugarla con una técnica adecuada.<br />El saldo final fue el de una entrada a esta música, a su estética tan irrepetible, que nos permite un punto inicial para llegar a comprenderla y a sentirla y cuyos requerimientos son tan grandes como la belleza con la cual es plasmado un mensaje de dolor y a la vez de esperanza. Nuestra esperanza es que el trabajo coral con este género pueda seguir. </div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-22835986833736334092010-11-01T18:59:00.000-07:002010-11-02T05:35:28.162-07:00Lo argentino musical<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij8avgJ3mDRWm1ssoU2hgeLZXfIesaIYLaFxk90TIxbbhxEYeFSRRHx0zGGpjTupEaQI3do1Y9Km9hFXsmN_0Rvmj84pHBwCnDd2n2V1aNVdyfmoGCaWSqLHHt_4pSTAGAKRJj5iar8VB2/s1600/Alberto+Williams.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5534767207326434066" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 394px; CURSOR: hand; HEIGHT: 394px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij8avgJ3mDRWm1ssoU2hgeLZXfIesaIYLaFxk90TIxbbhxEYeFSRRHx0zGGpjTupEaQI3do1Y9Km9hFXsmN_0Rvmj84pHBwCnDd2n2V1aNVdyfmoGCaWSqLHHt_4pSTAGAKRJj5iar8VB2/s400/Alberto+Williams.jpg" border="0" /></a><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgozLLkh86C5c6qUx2vuG5jfrpKNMuHqo3JzQnGHhyphenhyphenNRluDq6yIG2dwsJxnX23ojxEu2ojdTBsDwKCyJ897k7jSZXAeTh3tPZZ0VFU5escqVkS45Yr1vTEnqJrw5_TAwYJG-y6U4twSyb83/s1600/Alberto+ginastera.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5534767063410136786" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 261px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgozLLkh86C5c6qUx2vuG5jfrpKNMuHqo3JzQnGHhyphenhyphenNRluDq6yIG2dwsJxnX23ojxEu2ojdTBsDwKCyJ897k7jSZXAeTh3tPZZ0VFU5escqVkS45Yr1vTEnqJrw5_TAwYJG-y6U4twSyb83/s400/Alberto+ginastera.jpg" border="0" /></a><br /><br /><div>El 30 de octubre se presentaron el violoncellista Daniel Sergio y el pianista Gaspar Quirós en la sala Melany. Bajo el título <em>Panorama de compositores argentinos</em>, abordaron de obras referenciales de distintos géneros.<br />La primera fue <strong><em>Le grand tango, de Astor Piazzolla</em></strong> (1921-1992) que el compositor dedicara a Mstislav Rostropovich. Sugiere, en su libertad formal una fusión de sonata y de fantasía cuyo material temático proviene de motivos de tango, expuestos ya en sus elementos rítmicos, ya en trabajados <em>glissandos </em>y en un permanente dialéctica entre el elemento melancólico, tan apropiado al timbre del cello, con los acentos rítmicos. Es la exploración de esta dinámica y la maestría en las voces instrumentales cambiantes lo que le confieren una identidad que la hace frecuente en el repertorio internacional.<br />El programa siguió con <strong><em>Cello Sonata, de Alberto Williams</em></strong> (1862-1952), gran compositor e intérprete que estudió piano con Mathias, discípulo de Chopin, armonía con Durand, y composición con Cesar Franck; fue un prolífico compositor, con una participación cultural sumamente importante. De influencia europea, esta sonata muestra un enorme refinamiento en el modo de tratar el discurso instrumental: detenimiento, ausencia de efectismos, riqueza temática y a la vez una atención a las muestras más altas del romanticismo tardío. Del mismo compositor, como bis, fue interpretada <strong><em>La yerra</em></strong>, bellísima obra corta de un aire esencialmente criollo que, enunciado más que nada en la rítmica, es el material que la constituye y atraviesa. Hecha en un ideal impresionista recuerda en mucho al número <em>Por el sendero, de la Suite del gran Cañón de Ferde Grofé</em>.<br />En el final fue interpretada la <strong><em>Pampeana nro. 2, (rapsodia para cello y piano) de Alberto Ginastera</em></strong> (1916-1983). Basta leer los detallados comentarios de Elena Dabul y Julio Ogas a la edición de la obra integral para piano del compositor (editada por Iván Cosentino) para acceder en algo a la complejidad de su mundo creador. En esta imponente obra hay una exploración en las sonoridades percusivas del piano al estilo de Bartók. Los motivos argentinos surgen, en determinados momentos, de este planteo pianístico: son sus repeticiones y complejidad rítmica lo que va plasmándolos. Las escalas primitivas al lado del lenguaje moderno marcan esta etapa de nacionalismo subjetivo en la cual hay una utilización simbólica de los elementos populares. En otras, hay una exploración del cello, con sordina, con ritmos marcados, con notas agudas, con <em>glissandos</em>. Pareciera, permanentemente, que el sincretismo entre el lenguaje de vanguardia y lo popular se encuentran en función de sonidos nuevos.<br />Como segundo bis, fue interpretada <strong><em>Alfonsina y el Mar, de Ariel Ramírez</em></strong> (1921-2010).<br />No es frecuente poder acceder a la riqueza musical de compositores argentinos y tener en vivo obras profundas que no dejan de plantear, una vez y otra, el diálogo de culturas: las formas europeas en aires y motivos argentinos y la resultante de trabajos formalmente originales que están muy lejos de agotarse en una pintura costumbrista. La otra cara es que esa formación europea se ve enriquecida con un aporte temático inconfundible y la inspiración de compositores capaces de trabajar tanto los motivos como los timbres y la construcción musical.<br />Ciertamente, son trabajos de grandes requerimientos: en la técnica y en la expresividad. Exigen mucha justeza en diálogos de sonoridades siempre netas y la mayoría de las veces muy rápidas que sin un manejo formal adecuado carecerían de continuidad en el fraseo. Los pasajes lentos, como el final de la <strong><em>Cello sonata</em></strong>, piden en cambio un sonido hondo y sensible. Daniel Sergio, licenciado en Artes, ha tenido una prolongada trayectoria en distintas salas, como el Salón Dorado del Teatro Colón y participado en numerosos encuentros de su especialidad. Gaspar Quirós, becado por la Fundación Bernardo Hussay para perfeccionar sus estudios de piano, tiene un repertorio que incluye obras de solista y cámara de Bach, Scarlatti, Schubert, entre otros. Lograron una interpretación de intensidad que dejó advertir el requerimiento técnico pero que fue mucho más allá de él. La sala, cuya filtración de ruidos externos la hace absolutamente inadecuada para la música, los puso a prueba casi tanto como las obras.<br />La música argentina, por poco frecuente, por relegada, por rica, exige entrega, justo precio por todo aquello que guarda para descubrir<br /><br /><br /><br />Eduardo Balestena<br />http://opus155musicadecamara.blogspot.com</div></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-91524281438609139272010-10-04T18:57:00.000-07:002010-10-05T08:24:29.613-07:00Beethoven: sonatas para violín y piano<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_Cm9ttHTp_z-gOUmjnND5hj4_SM935v-pm4_NeIclZr8DZB-KWpGuHNbqxpiMj6kjV_2NkbnvEXEnuIshNbOweVZV51qoCWwYm9NXxD0ZKHNFwjXXqUKO91DrJtBtxFbEF5X1wzaK-_RO/s1600/Beethoven+dibujo+a+l%C3%A1piz.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5524376793503676610" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 258px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_Cm9ttHTp_z-gOUmjnND5hj4_SM935v-pm4_NeIclZr8DZB-KWpGuHNbqxpiMj6kjV_2NkbnvEXEnuIshNbOweVZV51qoCWwYm9NXxD0ZKHNFwjXXqUKO91DrJtBtxFbEF5X1wzaK-_RO/s400/Beethoven+dibujo+a+l%C3%A1piz.jpg" border="0" /></a><br /><div>El concierto del 29 de septiembre del ciclo de Bach a Piazzolla contó con la actuación de Graciela Alías en piano y Fernando Favero en violín.<br />Aron Kemelmajer, uno de los responsables del ciclo, recordó muy sobria y sentidamente, al comienzo a Willy Wullich, una “presencia tan ausente”, a un mes de su fallecimiento. Luego, hizo una introducción sobre Beethoven y la <strong><em>Sonata nro. 7, opus 30, nro2</em></strong>, coetánea a la 2da sinfonía, y muy posiblemente, tratándose de una formación instrumental muy difundida en la época, destinada a los salones. No obstante, a poco que reparemos en ella es posible advertir que trata en paridad a ambos instrumentos, que es una obra muy rica musicalmente y cuyas distintas intensidades dinámicas y sus melodías, algo secas, demandan tanto un fraseo capaz de darle continuidad al rico material temático como una graduación permanente en el cerrado diálogo del piano y el violín en movimientos de muy diferente carácter. Pasajes de mucha sonoridad en el piano y dificultades en el violín, como el allegro inicial, contrastan con un bellísimo adagio que demanda una expresividad muy diferente, como el cerrado finale allegro.<br /><strong><em>Sonata nro. 9, opus 47 a Kreutzer<br /></em></strong>Si Beethoven ya con la sonata opus 30 expande esta forma lo que sucede, unos dos años después, con la <em>a Kreutzer</em> es algo absolutamente nuevo. Hacia 1803 conoció a George Polgreen Bridgetower, un inglés mulato de una carismática personalidad y un enorme virtuosismo en el violín, que manejaba con una técnica muy personal. Fascinado con este personaje Beethoven decidió escribir una sonata no ya para los salones sino para la sala de conciertos. Concibió la obra a la medida del virtuosismo de Bridgetower y del suyo propio como gran pianista, y lo hizo con una “Sonata para el piano y un violín obligado, escrita en estilo muy concertante, casi como un concierto”, que es eso, una suerte de concierto –con una duración similar- en el que el piano toma el lugar de la orquesta. Con ello, asumía un nuevo modo de sonata, asociada a una sala, a un público y a un efecto. Es quizás la primera obra, junto con la Heróica, en que explora la contraposición temática. La concibió a una velocidad tal que, fijada la fecha del concierto, sin tiempo para copiar la parte de violín del tema con variaciones, Bridgetower debió leerla del propio manuscrito. Beethoven improvisó muchas de las del piano y la obra conservó para siempre ese carácter espontáneo y centelleante, de exploración: de la rítmica, de las sonoridades, de la variación. Como último movimiento agregó el que originalmente escribiera para la sonata opus 30 nro. 1. El resultado es el de una unidad y una invención permanente.<br />Distanciado de Bridgetower, Beethoven la dedicó a Rodolphe Kreutzer, quien (como a la propia obra beethoveniana) no supo apreciarla, nunca la tocó en público y, privadamente, la juzgó ininteligible.<br />Más allá de las arduas exigencias técnicas la interpretación dejó clara la ductilidad con la que Fernando Favero abordó todos los pasajes (en ese límite en el cual el sonido debe ser incisivo y enérgico y a la vez fluido) donde lo esencial resultó la apreciación de la forma y de la estética de la obra, sin detenerse en un virtuosismo vacío; mientras que el piano de Graciela Alías hizo expresiva la acumulación sonora del pianismo beethoveniano, en función de un material temático en el cual el dialogo es cerrado y permanente, con el agregado de la graduación de los pedales prolongados en momentos en que el violín suena en los registros bajos, en un piano de dos octavas más que aquel para el cual la obra fue escrita: los pianos vieneses de entonces, sin armadura metálica y de sonoridad menor. A la vez se le exige dulzura, por ejemplo en las variaciones del andante central. Un ejemplo destacable es un pasaje del presto final en el cual el impulso rítmico hace parecer que la resolución de un pasaje de violín, hacia el final, será de una manera pero un sutil e inesperado <em>rallentando</em> le otorgó relieve a una interpretación que permitió apreciar que una obra implica un dominio técnico y un discurso formado en distintas decisiones: cómo graduar, cómo imbricar dos timbres, cómo y qué acentuar y hacer una unidad de esos elementos.<br />El <em>Adagio presto inicial</em>, en la menor, comienza con un solo del violín y tras la primera intervención del piano surge el primer tema, en un contexto de gran libertad rítmica y creciente tensión. Tras el segundo tema, la exposición y reexposición van seguidas de un rallentando y de episodios adagio. El cambio dinámico es permanente.<br />El <em>Andante con variazioni</em> central, escrito en esquema A-B-A-B-A, con cambios de modo y tonalidad, presenta muchas dificultades en ambos instrumentos. La primera de las cuatro variaciones está confiada al piano, es de un rápido carácter danzante; el violín acentúa algunos sonidos. En la segunda, el violín teje una melodía que avanza en conjuntos de notas ascendentes y descendentes, en un complejo diseño. La tercera, en modo menor, vuelve al suave elemento cantabile del primer elemento, en la tonalidad de fa menor e importa un cambio en el carácter del movimiento. La variación cuarta introduce un desarrollo de amplias dimensiones, con acentuados pasajes en el piano, con el violín en pizzicato, y un rico diálogo que conduce a una breve pausa de recogimiento antes de la vigorosa conclusión.<br />Graciela Alías, quien tocó hace poco el concierto para piano de Schumann, suma una gran experiencia en la música de cámara y rescata la concepción estética de cada textura, como lo ha demostrado con el abordaje de autores como Prokofiev, Schubert, Beethoven o Mozart. Fernando Favero, concertino adjunto de la Filarmónica del Teatro Colón y concertino principal de la Orquesta Estable del Teatro Argentino de la Plata, ha actuado en muchos escenarios, argentinos y europeos, como solista o en conjuntos de cámara. Sus versiones de dos obras tan diferentes pudieron plasmar esa eterna búsqueda que es el lenguaje beethoveniano, incornformista, lleno de tensiones y hallazgos únicos, tan diferente a todo.<br />Las sonatas de Beethoven sacaron al violín del papel que había tenido hasta entonces, lo pusieron en paridad con los nuevos instrumentos de teclado y abrieron un espacio nuevo.<br /><br /><br />Eduardo Balestena<br /><a href="http://opus115musicadecamara.blogspot.com/">http://opus115musicadecamara.blogspot.com/</a></div><div></div><div></div><div></div><div></div><div>Sonata nro. 9, opus 30, Kreutzer, <a href="http://www.youtube.com/watch?v=mYBA0d1k9Vw&feature=related">Menuhin-Kempf</a></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-72833696839840003202010-10-04T05:15:00.000-07:002010-10-04T05:26:06.015-07:00Elisabeth Schwarzkopf, An die musik<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj921ey6V0hGeQbQYDcUryWA2EDbg8wE6bKIFCZyKXfyDHm0vOxLrLvkc9_Q5Qa30G2q1IbP9TRFu1bu8K-UGVB1UhVvAM9jmsAAWKMP8WeC-UzSHd5zNp9-Lc5gK4ly0Dv57shAV8xQHMK/s1600/Elisabeth+Schwarzkopf.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5524165655637985762" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; CURSOR: hand; HEIGHT: 359px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj921ey6V0hGeQbQYDcUryWA2EDbg8wE6bKIFCZyKXfyDHm0vOxLrLvkc9_Q5Qa30G2q1IbP9TRFu1bu8K-UGVB1UhVvAM9jmsAAWKMP8WeC-UzSHd5zNp9-Lc5gK4ly0Dv57shAV8xQHMK/s400/Elisabeth+Schwarzkopf.jpg" border="0" /></a><br /><div>Los lieder de Schubert condensan una esencia de musicalidad y llevan a la voz como instrumento a uno de sus puntos más altos. Exigen una distancia de la subjetividad poética para ser abordados en su pura esencia musical. Exploran tesituras y registros pero siempre de un modo contenido y, en su brevedad, cada no es único. También lo son en la relación con el piano y con la métrica de las poesías.<br /><br />Elisabeth Schwarzkopf canta <a href="http://www.youtube.com/watch?v=Bm_AKMV0ME0">An die musik</a></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-90303561563943729132010-08-29T19:46:00.000-07:002010-08-30T05:07:13.576-07:00Expresiones máximas de distintas texturas<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6i8qgpvuUgAMQ1785tSDq-lxPa5qcEgHDwaUCFdknZ8TEFGEPeudDFjJ1S9b7K9hsR7AGGhu4RZ_D4oELjFwrdZXRmxv9t1tTs-0yE14-DFaXuOn8526GTH92n8j2pZIfj3IYokIseoP1/s1600/Hugo_Schuller.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5511029773162391986" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 318px; CURSOR: hand; HEIGHT: 320px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6i8qgpvuUgAMQ1785tSDq-lxPa5qcEgHDwaUCFdknZ8TEFGEPeudDFjJ1S9b7K9hsR7AGGhu4RZ_D4oELjFwrdZXRmxv9t1tTs-0yE14-DFaXuOn8526GTH92n8j2pZIfj3IYokIseoP1/s400/Hugo_Schuller.JPG" border="0" /></a><br /><div>El pianista Hugo Schuler se presentó en el segundo concierto del ciclo de Bach a Piazzolla, en el Teatro Colón el 26 de agosto.<br />En anteriores oportunidades interpretó –entre otras obras- las <em>Variaciones Goldberg</em>, una integral del <em>Primer libro de preludios y fugas del clave bien temperado, de Bach</em> y las <em>33 variaciones sobre un tema de Antón Diabelli, de Beethoven</em>. Es clara su decisión estética: obras profundas que requieren abordajes maduros y ninguna concesión al efecto fácil. Ha grabado ambos libros de <em>El clave bien temperado</em>, para el sello IRCO, y entre sus muchos antecedentes se cuenta la beca recibida por la fundación Carolina de España, para continuar sus estudios en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona. Son numerosos los premios que ha ganado a lo largo de su carrera.<br />En esta presentación abordó <strong><em>seis preludios y fugas del Libro II de El Clave bien temperado, de Bach</em></strong>: en do mayor (BWV 870); en do menor (BWV 871); en do sostenido mayor (BWV 872); en do sostenido menor (BWV 873); en re mayor (BWV 874) y en re menor (BWV 875). Se trata de trabajos de grandes requerimientos: expresivos, de exactitud, de sonoridad, muy diferentes entre sí. Las obras mayores de Bach en el piano admiten diferentes enfoques sólo posibles a partir de un dominio técnico. En este caso (a diferencia de por ejemplo Jenö Jandó), fue el toque claro y enérgico, que hizo visibles los relieves entre estos pasajes (como el de la fuga del BWV 873 y el delicado preludio en re mayor, BWV 874). Bach nos muestra la vastedad de una música que nos pide reparar en ella y no en la técnica: es a este mundo a lo que los pianistas deben permitirnos acceder.<br />Luego del estilo absolutamente distinto de la <strong><em>Fantasía en Do menor, K. 475 de Mozart</em></strong>, obra con muchas gradaciones dinámicas y de un permanente claroscuro que recuerda más a las últimas sinfonías que a las sonatas para piano, abordó la <strong><em>Sonata nro. 30, opus 109 de Beethoven</em></strong>; posterior a la monumental Hammerklavier (nro. 29) recuerda a ella en varios aspectos.<br />Concebidas en la transición de la música doméstica a aquella destinada a las salas de concierto, en los recitales que comenzó a hacer Liszt, es al mismo tiempo una obra libre e introspectiva. Ello se advierte en la permanente variación dinámica que lleva, en el primer movimiento, del delicado comienzo a intrincados pasajes contrapuntísticos, un permanente pasaje del forte al piano que, en la parte lenta del primer movimiento recuerda a la fuga de la sonata nro. 29. Otra característica es el toque legato que comenzó a usar Beethoven (como en el comienzo del 2do. Movimiento) que da otra continuidad a un discurso que permanentemente cambia (en intensidad, en motivos, en relaciones de armonía) y lo hace más cantabile. Plantea para el solista la técnica que permita llevar ese discurso sin detenerse en su pura complejidad, sus intensidades, pausas y otros elementos como el uso del pedal, cambios de acento; decisiones referidas a los aspectos agógicos, es decir, a la manera de dar intensidad y profundidad a un fraseo, acentuando, retardando, buscando no la mecanización sino el relieve y el permanente cambio. En este sentido las últimas sonatas de Beethoven son un campo ideal para esta experimentación y a la vez plantean el interrogante acerca de si ellas mismas contienen ese universo de posibilidades o éstas vienen de la interpretación.<br />Hugo Schuler logró plantearla de este modo. No es una obra de tensiones sino de intensidades y a la vez que abierta a un sonido fuerte e intenso (posibilidad que empezó a ser brindada por los pianos ingleses que comenzaron a usarse en la época) es absolutamente introspectiva, como lo demuestra el tempo lento del final. Lejos del fácil efecto de otras sonatas, o del puro encanto melódico, se trata de un opus en el que debemos buscar emociones e ideas, desafíos técnicos y libertad interpretativa pero puestos al servicio de una profundidad.<br />El concierto finalizó con <strong><em>El Corpus Christi de Sevilla, del primer libro de la suite Iberia, de Albéniz</em></strong>, obra compleja y virtuosa en la cual el tema vuelve, permanentemente enriquecido, en un permanente acento rítmico.<br />Hugo Shuler hizo como bis la <strong><em>Consolación nro. 3 de Franz Liszt,</em></strong> conocida y bellísima obra.<br />La sensibilidad hacia obras sustantivas capaces por sí mismas de abrir no sólo sensaciones sino preguntas, no es habitual en los pianistas más jóvenes. En este caso se trató de un viaje por expresiones máximas de distintas texturas: el barroco tardío, el clasicismo de Mozart, exponente del movimiento sturm und drang, abierto ya a una nueva sensibilidad, el de Beethoven, que trae a esa sensibilidad un lenguaje propio, y el nacionalismo de Albéniz.<br /><br /><br /></div><div></div><div>Beethoven, Sonata nro. 30, opus 109, por <a href="http://www.youtube.com/watch?v=MEeO8uULTKY">Rudolf Serkin</a></div><div></div><div><br />Eduardo Balestena<br />http://opus155musicadecamara.blogspot.com </div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6948719949223855652.post-18923774240684279632010-08-03T12:27:00.000-07:002010-08-03T15:40:45.048-07:00El habla por la música<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiT4OLIMDwGgWoaVpGSrR0suha7f3sa1ppD9KMGsmhI5OTJwHf_W-JOzQDBFXQFcaxHLg_bQlzRo8_jGavHgZy3CkxeutDdyp742geiMYaVMdLevBfM-Sq1p6TyFw2veYndsm8Cfwyl9fnQ/s1600/Miriam+Fernandez+1A.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5501269772532325634" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 250px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiT4OLIMDwGgWoaVpGSrR0suha7f3sa1ppD9KMGsmhI5OTJwHf_W-JOzQDBFXQFcaxHLg_bQlzRo8_jGavHgZy3CkxeutDdyp742geiMYaVMdLevBfM-Sq1p6TyFw2veYndsm8Cfwyl9fnQ/s400/Miriam+Fernandez+1A.JPG" border="0" /></a><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioX-nZ2kga7G2EBEDj6SUIwmtkJdMePcfygRauzFkGg1sPgeHcR_EUMqjZVRBoLedNbdOZqjKPDErAW0HSjv70NzARALqA6vKYFyYbmngpafLbBciZzbtUoWJFBYruWm_DQaoEssnn2qWf/s1600/Miriam+F+2A.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5501269211978293890" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 232px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioX-nZ2kga7G2EBEDj6SUIwmtkJdMePcfygRauzFkGg1sPgeHcR_EUMqjZVRBoLedNbdOZqjKPDErAW0HSjv70NzARALqA6vKYFyYbmngpafLbBciZzbtUoWJFBYruWm_DQaoEssnn2qWf/s400/Miriam+F+2A.JPG" border="0" /></a><br /><br /><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6LVXQQacfm9gLERlP-hV6StqhwiasG9zXnkikIGllNepsfYzE856eTy9EJOXEYlN9D4O6JT0RpFoxX2VNy4a0yaHjwGQzjxN7aOMX9Zib1guW_15xK4XjtGQSkrTM2n4jywQ8QeAi4ZNl/s1600/Miriam+3+A.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5501268994478031330" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 266px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6LVXQQacfm9gLERlP-hV6StqhwiasG9zXnkikIGllNepsfYzE856eTy9EJOXEYlN9D4O6JT0RpFoxX2VNy4a0yaHjwGQzjxN7aOMX9Zib1guW_15xK4XjtGQSkrTM2n4jywQ8QeAi4ZNl/s400/Miriam+3+A.JPG" border="0" /></a><br /><br /><br /><div><strong><em>Miriam Fernández</em></strong> es marplatense, obtuvo su diploma de profesorado de guitarra en el Conservatorio Luís Gianneo y prosiguió sus estudios en Suiza, donde vive desde hace diez años, alternando presentaciones en ámbitos europeos, actividades docentes y la continua exploración en la música.<br />Año a año regresa a Mar del Plata con distintos proyectos. En julio hizo, junto a Julien Lapeyre, una extensa gira que abarcó desde Tierra del Fuego a Buenos Aires, Bahía Blanca, Río Grande y Mar del Plata, con música barroca, tango y masterclasses.<br /><strong><em>Estaciones<br /></em></strong>Como la música barroca que interpreta, Miriam Fernández habla (con el francés como segunda lengua) con una gran suavidad que permite entrever varias cosas: es una persona muy segura, interior y exteriormente, no dice nada de más, ella misma nunca es el centro de su discurso y todo lo que narra involucra dos cosas: un derrotero y una exploración. No podía ser de otra manera en alguien que hacia los 24/25 años comenzó a abrirse un camino propio en Europa, que ejerció sus opciones como modos de una búsqueda que siempre está en expansión, y que no piensa en una carrera musical en términos competitivos, sino que la asume como un orden de experimentación, una exploración sobre la cual reflexiona permanentemente.<br />Aunque no se refiere en detalle a sus estudios ni a sus aptitudes, obtuvo sus posgrados (en música contemporánea y en instrumentos históricos) con calificaciones sobresalientes y el hecho de que desde 2007 se haya volcado al laúd y a la tiorba, así como el manejo que hace de esos instrumentos, habla de sus dotes tanto para el aprendizaje como para la interpretación. Estas aptitudes le valieron importantes premios como el “Premier Prix en Virtuosité avec distinction” (2001) en la ciudad de Colón, y al año siguiente en Ginebra. Fue además premiada en Nicati, Suiza, entre 80 solistas instrumentales de 23 países. También son importantes los profesores con los cuales se ha formado, como Eduardo Isaac, Maria-Livia Sao Marcos, Jordi Mora (con quien actuó como solista en la Fantasía para un Gentilhombre, en Barcelona) y muchos otros.<br /><strong><em>La música contemporánea</em></strong><br />Recuerda una de sus presentaciones, en una gira de música contemporánea –con el apoyo de una fundación suiza, que obtuvo luego de ganar un premio. En aquella oportunidad, en una gira que la llevó a varios lugares, llegó “Hasta Santiago del Estero, un poco la provincia del folklore, a tocar música contemporánea” en la sede de una fundación. No hay allí conservatorio ni se trataba de una sala de concierto “y ahí toqué mi programa, era terrible el programa que tenía, estaba con la secuencia de Berio, una obra de media hora…lo que recuerdo es que estaban muy impresionados con las posibilidades, porque nunca habían escuchado el instrumento de esa manera. También había obras que tenían efectos, y nunca se les hubiera ocurrido que la guitarra podía sonar de ese modo.”<br /><strong><em>-¿Cómo fue el pasaje a los instrumentos históricos, ese mundo tan distinto?<br /></em></strong>“Participlé (2006) en un workshop de un profesor que venía, él es noruego (Rolf Lislevand) pero vive en Italia ahora. Pasaba por el conservatorio a dar un workshop de tres días y me anoté con obras de Scarlatti, con la guitarra. Ahí llegó este profesor y venía con todos los modelos de laúdes, tiorba y la guitarra barroca. Él tocó muchos años con Jordi Savall. En muchos de los videos es el que está con la guitarra o con el laúd. Era la primera vez que los veía de cerca. A los dos meses me inscribí con el laúd renacentista. La lectura (la compleja tablatura francesa) se aprende. El único profesor de laúd que hay en Ginebra, y que viene de Berna (Jonathan Rubin), me prestó un laúd renacentista, me lo afinó, porque yo no sabía ni afinarlo. Después buscaba en internet como hacerlo, porque se desafinan constantemente y no tenía el oído para afinarlo. Cuando me lo prestó, estuve la primera semana todo el tiempo, era una adicción terrible. Ponía el despertador temprano para levantarme a tocar, y como es un instrumento muy suave, podía tocar toda la noche.”<br />Al principio tocó el laúd renacentista, luego la tiorba y después el laúd barroco. Son instrumentos muy sensibles en la afinación, hay que afinarlos todo el tiempo, y también lo son al clima, eso dificulta la afinación, en el caso del violín barroco, que sólo tiene clavijas, “el día antes del concierto dos de ellas no corrían, hinchadas por la humedad; pero forma parte del modo de ejecución. Con las cuerdas de tripa del violín barroco es muy complicado afinar (no tiene microafinadores, como el violín moderno). Los instrumentos están acostumbrados al clima seco de allá. No se afina de una vez y queda listo, sino que pueden pasar otras cosas. Con el laúd, que es un instrumento de tantas cuerdas, no se puede tener una afinación perfecta, sí un temperado promedio, sin embargo eso, y la propia diferencia en la afinación respecto a los instrumentos actuales, lo hace todo más vivo”.<br />“Con el dúo tocamos mucho, empezamos tocando tango”. Julien Lapeyre adaptó un violín a barroco y comenzaron recientemente con ese repertorio, que incluyó una obra no barroca, de Hydn (Cassation en do mayor), un trío (violín, laúd o guitarra y cello), para el cual la parte de cello la llevé al laúd…resultó un poco complicado. El arco en el violín barroco produce el sonido fuerte en la mitad, luego decrece, de ahí su particular sonido oscilante. La de Hydn es una obra muy rica en lo que es articulación. Hay una rica literatura de la época para instrumento melódico y laúd. Haciendo bajo continuo se puede tocar cualquier cosa del período”.<br /><strong><em>La formación</em></strong><br />Miriam Fernández es docente en los dos Conservatorios de Ginebra, también lo es privadamente y dicta masterclasses (Julien Lapeyre las dio de violín y viola), como las que dictaron en Bahía Blanca. La conversación gira hacia los planes con alumnos y orquestas de jóvenes y el trabajo de campus.<br />La música de cámara es ideal para la formación y la proyección de los alumnos hacia otras experiencias y aprendizajes “pero hay que saber hacerlo, no es sólo que las notas caigan juntas”.<br />Postula que los alumnos suelen estar muy preocupados “matándose estudiando a Bach” y “tocando contra el metrónomo”, y que hay que abrirse a otra espontaneidad. En Europa, Bach y Brahms forman parte del folklore, es algo más natural. A veces se insiste sobre cosas muy complicadas, cuando quizás hay otras que no están claras en la base. Aquí, la espontaneidad está en géneros populares. Se trata de trabajar para llevar ese lenguaje natural a toda la música, en eso “toda la música se parece, la interpretación debería poder ser la prolongación natural del habla, en eso me gustaría insistir”.<br />“Pienso que no es necesario esperar a recibirse para poder trabajar en masterclasses, es preferible hacerlo tempranamente y poder edificar el resto de las habilidades sobre esta actitud de apertura, de espontaneidad”.Quizás la actitud más favorecedora fuera no abordar a los autores por su prestigio y su complejidad, sino hacerlo con la música de acá.<br />“Si alguien puede tocar bien un tango o una chacarera, si estas bases están bien aprendidas después se pueden aplicar a cualquier esquema musical. Se trata de poder decir yo voy a tocar esta pieza así porque la siento así. Después, si se toca algo de Bach, tiene que estar como hablado, fluir y sentirlo y no estar preocupado por si tengo que apoyar el dedo así; que sería algo parecido a recitar un poema de memoria con miedo.”<br />Se trata de transmitir la espontaneidad, el placer de tocar. La música no empieza cuando suena la primera nota, sino antes, en la preparación, y tampoco concluye con la última nota, sino que persiste. Hay que escuchar y reflexionar, señala.<br /><strong><em>Géneros<br /></em></strong>La charla prosigue y surgen muchas cuestiones, el cruce con el tango, para el cual Julien Lapeyre tiene una aptitud especial, el pasaje de eso a los instrumentos históricos (es posible, en un concierto, pasar de los instrumentos históricos a los otros, pero no a la inversa), el interés o la falta de interés por instrumentos poco frecuentes, la música que se manifiesta en distintos géneros, la sensación de que la música barroca, hoy de concierto, una vez fue danzante. Miriam Fernández se interesa además por la danza renacentista (pavana, contrapaso, y minué barroco, que estudió en París con Ana Yepes, hija de Narciso Yepes), ayuda, dice, a entender esa música, a sentirla, a interpretarla de un modo más vivo. Un ejemplo es las velocidades: siempre se busca tocar más rápido, pero si pensamos que eso se tocaba caminando, o dando la mano, la rapidez deja de ser lo importante. La danza de esa época, antes del ballet clásico, es más accesible. Por suerte, los intérpretes han dejado mucho escrito sobre sus vivencias y sus técnicas. Ellos, señala, están lejos en el tiempo, pero eso no quiere decir que hayan sido menos inteligentes. El estilo galante, agrega, es una expresión que lo dice todo, no va corriendo.<br />Los aspectos de la música siguen, inagotablemente, en una intérprete joven que ha logrado ya una gran experiencia. Siguen y, más allá de la música, reflejan una actitud, la de asumir un camino vivido como libertad y descubrimiento, igual que los viajes, aquellos de aprendizaje y aquellos otros, los de volver para formar a partir de ese aprendizaje y mostrar las curiosas simetrías que unen al tango, a la música contemporánea y a los instrumentos históricos.<br /><br /><br />Eduardo Balestena<br />http://opus155musicadecamara.blogspot.com </div></div></div>Eduardo Balestenahttp://www.blogger.com/profile/14810769385516765999noreply@blogger.com0